El enigma de otro mundo (1951) detrás de las cámaras

El enigma de otro mundo (The Thing from Another World) es una película de ciencia ficción, intriga y terror dirigida por Christian Nyby, estrenada en 1951, y protagonizada por Margaret Sheridan, Kenneth Tobey, Robert Cornthwaite, Douglas Spencer y James Arness en los papeles principales. 

Basada en la novela "¿Quién anda ahí?" (Who Goes There?), la trama de la película gira en torno a una tripulación de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos y un grupo de científicos que encuentran los restos de un platillo volador en el hielo ártico y un cuerpo humanoide congelado cerca. Deciden regresar a su remoto puesto de investigación, con el cuerpo aún en un bloque de hielo, para descongelarlo y estudiarlo.

Con un presupuesto de 1,6 millones de dólares, el rodaje de la película El enigma de otro mundo se realizó entre octubre de 1950 y marzo de 1951, utilizando para ello diversas localizaciones de Montana y Los Ángeles. En concreto, buena parte del metraje se filmó en el Parque Nacional de los Glaciares (Montana); mientras que la mayoría de escenas interiores se grabaron en una planta de almacenamiento de hielo en Los Ángeles, donde se construyeron los decorados necesarios para la filmación. 

The Thing from Another World, conocida popularmente también como "The Thing", se estrenó en los cines de Estados Unidos el 7 de abril de 1951. Obtuvo una recaudación cercana a los 2 millones de dólares solo en Norteamérica, a lo que posteriormente se sumarían los ingresos en taquilla en el resto del mundo y las distribuciones domésticas. 

Sus efectos especiales artesanales pueden parecer toscos y precarios a día de hoy, pero eran muy avanzados para la época. Por ejemplo, la secuencia en la que el extraterrestre es incendiado y rociado repetidamente con queroseno, fue una de las primeras escenas de acción con fuego de cuerpo completo jamás filmadas.

El film no destacó en todo caso por su recaudación, sino por el importante legado que dejó a la historia del cine al convertirse en un clásico de culto que estableció la fórmula para el cine de ciencia ficción que muchas otras películas seguirían posteriormente. Entre ellas se incluye el remake "La cosa" (The Thing), dirigida por John Carpenter y estrenada en 1982, la cual es también considerada una de esas películas imprescindibles para los amantes del buen cine de ciencia ficción y terror. 

Aquí puedes ver una colección de imágenes detrás de las cámaras sobre el rodaje de la película El enigma de otro mundo, uno de los grandes clásicos de culto de todos los tiempos. 

Curiosidades de 1990: Los guerreros del Bronx

1990: Los guerreros del Bronx (1990: I guerrieri del Bronx) es una curiosa película italiana de acción, cuya historia está ambientada en una distópica ciudad de Nueva York del año 1990, dirigida por Enzo G. Castellari y estrenada en cines en 1982. 

En el año 1990, el Bronx es declarado oficialmente Tierra de Nadie. Las autoridades abandonan todos los intentos de restaurar la ley y el orden. A partir de entonces la zona es gobernada por los Riders. 

Con esta contundente introducción, la trama de la película da comienzo cuando Ann (Stefania Girolami), la joven y única heredera de la Manhattan Corporation, decide huir y esconderse en la tierra sin ley del Bronx. Allí es atacada por los Zombies, una banda de patinadores, pero Ann es salvada por varios miembros de la banda de los Raiders, entre los que se encuentra su líder Trash (Mark Gregory), quien toma a Ann bajo su protección.

Considerada habitualmente una película de Serie B por su bajo presupuesto, y a pesar de las malas críticas recibidas tras su estreno en cines, 1990: Los guerreros del Bronx obtuvo un buen éxito en taquilla, pero fue la gran acogida entre el público lo que elevó el film al estatus de película de culto. Además, la película daría lugar a una secuela directa y a otra película similar del mismo director, formando una peculiar trilogía llena de bandas callejeras, zonas sin ley y escenario postapocalípticos.  

Rodaje y curiosidades de 1990: Los guerreros del Bronx

Según contó el propio Fabrizio De Angelis, productor principal del film, la idea de la película le surgió durante un viaje a Nueva York. Al parecer, el productor se despistó viajando en el metro de la ciudad, y en lugar de bajarse en la parada cerca de su hotel en Manhattan, acabó en el sur del Bronx, una zona de la ciudad particularmente peligrosa y deteriorada en aquellos años. 

El barrio de South Bronx a principios de los 80 estaba plagado de edificios que habían quedado reducidos a escombros por incendios, gran parte de ellos provocados; y muchas de sus calles eran territorio de pandillas callejeras, además de que era habitual encontrar drogadictos y unos niveles de delincuencia disparados. 

El productor caminó por el barrio y quedó cautivado por la devastación y deterioro que encontró por la calles. Se cruzó con numerosos vagabundos y enfermos desahuciados abandonados a su suerte, e incluso, según afirmó, tuvo que escapar corriendo de una banda de criminales que le intentaron asaltar a punta de navaja. 

Fabrizio De Angelis consiguió llegar finalmente sano y salvo a su hotel en Manhattan, pero su experiencia en el Bronx le marcó tanto que decidió hacer una película ambientada en el barrio, con la idea de una historia futurista y distópica que se desarrollara en el Bronx, donde los jóvenes pandilleros lucharan entre ellos por el territorio que consideran su hogar. 

Claramente inspirado por exitosas películas similares anteriores, como "The Warriors: Los amos de la noche" (1979) y "1997: Rescate en Nueva York" (1981), contrató al director Enzo G. Castellari para el proyecto, y ambos concibieron finalmente el film cuyo título definitivo sería "1990: Los guerreros del Bronx".

Junto a los guionistas Dardano Sacchetti y su esposa Elisa Livia Briganti, el director Enzo G. Castellari participó activamente en el guion del film, y de hecho fue idea suya cambiar algunas de las ideas iniciales del productor, introduciendo pandillas callejeras lo más extrañas y estrafalarias posible para dar un toque diferente a la película. Así, además de Los Riders, la banda de moteros protagonista de la película, en el film se pueden ver peculiares bandas callejeras como Los Zombies, Los Tigres o Los Buitres. 

Al tratarse de una producción italiana modesta, el reparto principal de la película está formado en su mayor parte por actores desconocidos, con varios de ellos debutando por primera vez en una película, entre los que destaca el actor protagonista, Marco De Gregorio (quien se cambió el nombre por Mark Gregory como nombre artístico). 

Entre las pocas caras conocidas y actores experimentados que formaron parte del elenco, se encuentran Vic Morrow (el personaje de Hammer en el film), Christopher Connelly como Hot Dog, y Fred Williamson, una estrella de la corriente blaxploitation en la década de 1970 y que interpreta el papel de El Ogro, el líder de la banda de Los Tigres. También podemos ver en el film un cameo del propio director Enzo G. Castellari, como vicepresidente de la Manhattan Corporation. 

Como protagonista principal para el papel de Trash, líder de la pandilla de Los Riders, el elegido fue Mark Gregory (Marco De Gregorio), un desconocido joven italiano que fue descubierto por los realizadores del film en un gimnasio de Roma que frecuentaban. Impresionados por el aspecto físico del joven (que en ese momento aún tenía 17 años), le ofrecieron debutar como actor, y tras realizar una audición entre más de 2.000 jóvenes, finalmente acabó consiguiendo el papel protagonista de la película.

El joven Mark Gregory cuadraba a la perfección con el aspecto físico que se buscaba para el personaje de Trash, con una combinación de salvaje motero y estrella del rock, sin embargo, las dotes interpretativas del joven eran más bien escasas dada su falta de experiencia y, por si fuera poco, caminaba de una forma un tanto peculiar, particularmente rígida. 

Su compañero Fred Williamson intentó enseñar al joven cómo mostrar una imagen más dura, tal y como era su personaje sobre el papel, pero parece ser que no surtió mucho efecto. Su estilo tan erguido al caminar fue además una fuente de constantes bromas por parte de algunos de los miembros de Los Ángeles del Infierno, quienes participaron como extras para el film.  

Para interpretar al personaje de Ann, la protagonista principal femenina, el director eligió a su hija, Stefania Girolami, quien tampoco tenía apenas experiencia como actriz. La joven participó además en la película como asistente de dirección. 

Lógicamente, la mayoría de las localizaciones de las películas son en el propio barrio del Bronx, aunque también se filmaron algunas escenas en otras zonas de Nueva York como Brooklyn o Roosevelt Island. La mayor parte de las escenas interiores sin embargo se rodaron en un estudio de Roma, ya que las leyes italianas relativas al cine de la época exigían que todas las producciones italianas debían filmarse al menos en un 50% del metraje en Italia. 

El rodaje de Los guerreros del Bronx fue bastante rápido y necesitaron de apenas tres semanas de rodaje en Nueva York. Al parecer fue una producción sin demasiados incidentes destacables, a excepción del accidente de moto del personaje de Ice (interpretado por Joshua Sinclair) que se puede ver en una de las escenas y que se trata de un accidente real que se incluyó en el metraje final. 

También hay otra curiosa escena en el film en la que se produjo una inclusión inesperada e improvisada. En la secuencia en la que se reúnen las bandas de los Rides y los Tigres cerca del Puente de Manhattan, se puede ver a un lado a un grupo tocando la batería. Se trata de una banda del barrio que simplemente estaba haciendo pruebas con la batería el mismo día del rodaje, y sin más explicaciones, el director decidió dejarlos a lo suyo e incluirlos también en el film. 

En todo caso, fue la tónica general de la filmación. Debido a su escaso presupuesto y medios, los productores no consiguieron la autorización para que se cerraran algunas calles del Bronx durante el rodaje, motivo por el que en algunas escenas se puede ver a la banda de moteros por las calles mientras de fondo se observa el tráfico circulando y gente haciendo vida normal que contrasta con la supuesta "Tierra de nadie sin ley" donde se ambienta la historia.  

El film fue además la última película del actor Vic Morrow, quien poco después moriría decapitado trágicamente por las aspas de un helicóptero durante el rodaje de "En los límites de la realidad" (1983). En una profética escena a mitad de la película, el jefe de Morrow le advierte: ¡Si no recuperas a la niña mañana a las 11 en punto, te cortaré la cabeza!. A lo que el personaje de Morrow responde: "La llevaremos en helicóptero". 

La película 1990: Los guerreros del Bronx se estrenó en cines en Italia el 29 de octubre de 1982, y aunque recibió muy malas críticas, su gran éxito en taquilla llevaría al film a dar el salto al mercado internacional con el título en inglés "1990: The Bronx Warriors". 

Solo en Italia, 1990: I guerrieri del Bronx por su título original en italiano, recaudaría tres veces su presupuesto, pero mucho más espectacular fue su éxito en Estados Unidos, donde llegó a ocupar el quinto lugar entre los estrenos más taquilleros del año. 

El inesperado éxito llevó a al director y a la productora Fulvia Film a lanzar casi inmediatamente dos películas más. Primero se estrenaría "Escape del Bronx" (1983) como una secuela directa que continúa la historia; y poco después el film "Los Nuevos Bárbaros" (1983), la cual se ambienta en un distópico y postapocalíptico futuro del año 2019 en la que solo repitió el actor Fred Williamson. El director Enzo G. Castellari solo necesitó de hecho seis meses para completar las tres películas. 

Tanto la propia 1990: Los guerreros del Bronx, como el resto de películas que forman esta curiosa trilogía de pandillas callejeras, no tardarían en convertirse en auténticas películas de culto para muchos aficionados, especialmente a partir de sus lanzamientos domésticos, primero en VHS y posteriormente en DVD y Blu-Ray (disponible en Amazon), donde también gozarían de un considerable éxito. 

A su buen desempeño en el mercado doméstico contribuyó sin duda un excelente póster promocional, el cual fue utilizado también como portada, y a la nota que Media Home Entertainment incluyó en la carátula para VHS, donde se indicaba que la película había creado una "gran controversia en Nueva York". 

Una campaña de marketing probablemente basada en el violento estreno en cines de la película The Warriors en la que se inspira, y que si bien en este caso no había ningún trasfondo real detrás, funcionó a la perfección. 

La sensual escena eliminada entre Barbarella y la Reina Negra de la que solo se conocen unas pocas imágenes

Basada en la serie de cómics homónima, protagonizada por Jane Fonda y dirigida por Roger Vadim, la película Barbarella se estrenó en cines en 1968 y convirtió a la actriz en un auténtico icono sexual de la época, ya que en el film se pueden ver varias escenas suyas eróticas y de desnudos. 

Aunque las críticas no fueron demasiados buenas, lo cierto es que Barbarella obtuvo un buen éxito de taquilla en Reino Unido y no tardaría en convertirse en una película de culto poco después. Sin embargo, cuando el film se reestrenó en cines en 1977, lo hizo de una manera mucho más "light", eliminándose la mayoría de las escenas en las que aparece desnuda Jane Fonda. También se cambió el título original de la película por el de "Barbarella: Reina de la Galaxia" (Barbarella: Queen of the Galaxy). 

Esta decisión lógicamente no convenció a los fans de la película, quienes tendrían que esperar varios años, hasta que se lanzaran las versiones domésticas en DVD y Blu-Ray (disponibles en Amazon), para poder ver de nuevo estas escenas eliminadas que habían lanzado a la película a la fama. 

Si bien estos lanzamientos hicieron algo de justicia a la película original, lo cierto es que es bastante conocido que la película Barbarella sufrió de un fuerte recorte de escenas durante el proceso de post-producción, reduciendo su metraje a solo 98 minutos para el estreno en cines. 

No se sabe con exactitud cuantas escenas se eliminaron de la película y solo podemos hacernos una idea sobre cuáles fueron exactamente las secuencias que no se incluyeron en el metraje final, basándonos para ello en ciertos indicios, como algunas imágenes que se filtraron durante el rodaje de la película o diversas fotografías promocionales de varias secuencias que no se ven en el film. 

En concreto hay una escena eliminada de Barbarella que ha adquirido una gran fama, a pesar de que nunca ha aparecido en ninguna versión de la película: una sensual escena lésbica de cama entre Barbarella y la Reina Negra. 

Tampoco se conocen muchos detalles sobre esta erótica secuencia eliminada, salvo que efectivamente fue rodada y supuestamente debería aparecer en la parte final de la película. La escena se desarrolla al parecer en el interior de Mathmos, con la actrices Jane Fonda (Barbarella) y Anita Pallenberg (la Reina Negra) como protagonistas. 

Las únicas imágenes que existen de esta escena eliminada del film, se han conocido a lo largo de los años mediante filtraciones del rodaje y por algunas imágenes publicitarias que se realizaron para promocionar la película, pero que en todo caso sirven para hacerse una buena idea de cómo hubiera sido esta secuencia de haberse incluido finalmente en el metraje: 

Curiosidades de Turkish Star Wars, la película hecha con metraje y material de otros films

En la historia del cine podemos encontrar una buena lista de films que se han ganado por derecho propio el ser incluidas entre las peores películas de la historia. Entre ellas hay casi de todo, pero pocas son tan peculiares e inclasificables como el film Turkish Star Wars, una película estrenada en Turquía en 1982, que adquirió cierta notoriedad cuando llegó al mercado occidental debido al uso no autorizado de metraje, música y efectos de sonido de Star Wars y otras conocidas películas de ciencia ficción. 

Producida en Turquía y dirigida por Çetin Inanç, el título original de la película es en realidad Dünyayı Kurtaran Adam (El hombre que salvó al mundo), y está protagonizada por el actor y especialista en artes marciales Cüneyt Arkınun. El film combina, de forma extraña en una trama incoherente, diferentes géneros como la acción, la ciencia ficción, superhéroes, la aventura, la fantasía y las artes marciales. 

Tras su estreno en Turquía en noviembre de 1982, la película habría pasado totalmente desapercibida de no ser porque, en el año 2005, el film se lanzó en Estados Unidos con el título "The Man Who Saved the World". Se popularizó así rápidamente entre los aficionados al cine más cutre y se convirtió en una película de culto, conocida habitualmente como Turkish Star Wars por su plagio descarado y uso no autorizado de varias superproducciones de Hollywood, particularmente de La Guerra de las Galaxias (1977).

Como seguramente cualquiera puede imaginar, el argumento del "Star Wars turco" no tiene desperdicio. Aquí tienes un pequeño resumen como muestra:

La película sigue las aventuras de Murat y Ali, cuyas naves espaciales se han estrellado en un planeta desértico alienígena tras una batalla, la cual está realizada con imágenes robadas a Star Wars, así como de clips de noticieros reales de los programas espaciales soviético y estadounidense. 

Mientras caminan por el desierto, empiezan a creer que el planeta está habitado solo por mujeres, por lo que Ali decide utilizar su silbato especial que sirve para atraer únicamente a las mujeres más atractivas. Sin embargo, hace sonar el silbato equivocado y son atacados por esqueletos a caballo, a los que tendrán que derrotar gracias a sus habilidades de lucha. 

Poco después aparece el villano principal de la película para capturar a los héroes, llevándolos a su arena de gladiadores para que puedan luchar. El villano les dice que en realidad es un mago de la Tierra y tiene más de mil años. Trató de derrotar a la Tierra, pero fue repelido por un "escudo de moléculas cerebrales humanas concentradas" (con imágenes de la Estrella de la Muerte incluidas para esta parte). 

Los héroes consiguen escapar y se esconden en una cueva llena de refugiados que había huido del régimen tiránico del villano donde Murat se enamora de un mujer que conoce allí. Los zombis del señor oscuro atacan sin embargo la cueva y convierten a varios de los niños en zombis, con su sangre utilizada para renovar la inmortalidad del mago malvado. Consiguen huir de la cueva y llegar hasta un bar local, sacado directamente de la cantina de Mos Eisley de Star Wars, donde su aventura continúa... (al final de este artículo puedes ver la película completa online). 

Las dos primeras películas de Star Wars son los films con diferencia a los que más descaradamente se les robó metraje, pero no son las únicas series y películas de ciencia ficción que se plagiaron o piratearon. Tiene también una gran cantidad de material de archivo extraído de películas como Flash Gordon (1980), La espada mágica (1962), o la saga de Star Trek, mientras que los disfraces y trajes de los villanos son una copia de Ming de Flash Gordon o los Centuriones de Battlestar Galactica. 

La música y la banda sonora del film está completamente extraída de varias conocidas películas. El tema principal utilizado es "The Raiders March", compuesto por John Williams para la película En busca del Arca perdida (1981). Otras escenas incorporan la música de films como Moonraker (1979), Ben-Hur (1959), El planeta de los simios (1968), Naves misteriosas (1972), o El abismo negro (1979), así como de Flash Gordon y Battlestar Galactica. 

Debido a su pésima calidad, habitualmente se suele pensar que es una película de muy bajo presupuesto, pero en realidad la producción contó con un presupuesto de 50 millones de liras turcas (de la época), una cifra considerable. De hecho, el actor protagonista del film es Cüneyt Arkın, un actor de cine, director, productor y artista marcial turco, considerado uno de los actores turcos más destacados de todos los tiempos y quien ya era una celebridad en la época.

El presupuesto del film en todo caso parece ser que se debió invertir y perder por completo con los decorados. Todos los trajes de la película son tan simples como ridículos en la mayoría de personajes (y particularmente en los villanos), con máscaras hechas de cartón y recubiertas de láminas de plata, disfraces y máscaras de carnaval compradas en la tienda de la esquina para los extraterrestres, o momias "vestidas" con papel higiénico. Mención especial merece la espada dorada de poder, hecha de madera, y que el protagonista no tiene ningún problema en agarrar por el filo. 

El rodaje de Turkish Star Wars duró aproximadamente dos meses, filmándose casi por completo en varias localizaciones de Goreme, en la región de Capadocia (Turquía) y en los estudios de la productora Anıt Film. Aunque no hay justificación posible para el plagio y uso descarado del metraje y material de otras películas para esta producción, todo se desencadenó a raíz de un incidente en el estudio que llevó al director a tomar esta decisión. 

Al poco de comenzar el rodaje se desató una fuerte tormenta que acabó destruyendo los elaborados decorados de naves espaciales construidos para el film. El director Çetin Inanç intentó convencer a los estudios para que pagaran la reconstrucción de los decorados, pero se negaron a ello y exigieron además que no debía retrasarse el estreno de la película por ningún motivo, previsto para noviembre de 1982. 

En lugar de intentar crear imágenes de batallas espaciales completamente nuevas, Inanç sobornó al vigilante nocturno de una distribuidora de películas turca para que le prestara una copia de Star Wars y luego la copió apresuradamente de la noche a la mañana. Posteriormente decidió incluir también más metraje y material de otras conocidas películas.

El metraje final que presentó el director al estudio tenía una duración de dos horas y media. Por aquella época, la duración habitual de las películas turcas era de 75 minutos, por lo que pensaron que una duración tan larga no tendría éxito. Decidieron por lo tanto recortar cerca de una hora de metraje, uno de los motivos principales por el que la película tiene un montaje inconexo y confuso para el espectador, con varias escenas con la voz en off para intentar explicar la trama. 

Tras su estreno en Turquía en noviembre de 1982, la película Dünyayı Kurtaran Adam obtuvo muy malas críticas y fue un fracaso comercial que cayó rápidamente en el olvido. Sin embargo, varias décadas después fue rescatada por la distribuidora BijouFlix Releasing y lanzada en Estados Unidos con el título The Man Who Saved the World. 

Considerada una de las peores películas de la historia, lo cierto es que adquirió con el tiempo un estatus de película de culto, pasando a ser conocida por diferentes nombres entre los aficionados, como The Super Adam Who Saved Earth, Space Hero Lion Man o Turkish Lionman, aunque sería Turkish Star Wars (el Star Wars turco) el nombre con el que se popularizaría en Internet tiempo después.

Su particular éxito llevó a que en 2006 se filmara y estrenara una secuela, también protagonizada por Cüneyt Arkın y donde interpreta al mismo personaje. El film se tituló Dünyayı Kurtaran Adam'ın Oğlu (El hijo del hombre que salvó al mundo), aunque fue conocida popularmente como Turks in Space (Turcos en el espacio). Curiosamente, la secuela fue criticada por los aficionados porque los efectos visuales no eran similares a los de la película original, ya que no se plagiaron en esta ocasión de otras películas. 

Como última curiosidad sobre Turkish Star Wars, en el film no existe ninguna mención a los derechos de autor y la película se puede ver actualmente gratis online en su versión original con subtítulos en inglés: 

Rodaje y curiosidades de Soylent Green (Cuando el destino nos alcance)

Soylent Green (Cuando el destino nos alcance) es un thriller distópico estrenado en 1973, dirigido por Richard Fleischer, y protagonizado por Charlton Heston, Leigh Taylor-Young y Edward G. Robinson en los papeles principales.  

La trama de la película se ambienta en un distópico futuro del año 2022, en el que la contaminación y el calentamiento global han llevado un hacinamiento masivo de la población en las ciudades y a una grave escasez de alimentos y recursos. Grandes corporaciones como Soylent son las encargadas de alimentar a la población a través de alimentos procesados, mientras una élite de ricos aún pueden acceder a productos frescos como carne, fruta o verduras.  

La compañía acaba de anunciar el lanzamiento de su nuevo producto: Soylent Green. Sin embargo, en Nueva York, una ciudad habitada por más de 40 millones de personas, William R. Simonson, uno de los mayores accionistas de Soylent, aparece muerto en su lujoso piso en extrañas circunstancias. El detective Robert Thorn (Charlton Heston) será el encargado de investigar el asesinato.  

Combinando en la historia diferentes géneros y temas, como la investigación policial, el thriller, la ciencia ficción, el calentamiento global, la superpoblación, la eutanasia o el efecto invernadero, en su trama distópica subyace en realidad un mensaje ecologista. Considerada actualmente una película de culto, el film ganó en 1973 el Premio Nébula por su guion y el Premio Saturn a la Mejor Película de Ciencia Ficción.

Cuando el destino nos alcance, rodaje y curiosidades

El guion de la película está basado libremente en la novela de ciencia ficción "¡Hagan sitio!, ¡hagan sitio!" (disponible en Amazon), escrita por Harry Harrison y publicada en 1966. Para llevar la historia al cine, el guionista Stanley R. Greenberg introdujo diversos cambios respecto al libro. 

La historia original que se desarrolla en el libro está ambientada en el año 1999, y trata principalmente sobre la superpoblación y el uso excesivo de los recursos que conducen al aumento de la pobreza, la escasez de alimentos y el desorden social. 

Para la película se ambientó la trama en el año 2022 y se hicieron bastantes cambios en el guion para dotar al film de más escenas de acción y persecuciones. También se modificaron detalles concretos como las concubinas o "chicas mobiliario" (como se definen en la película), que tienen un tratamiento muy diferente respecto a la trama de la novela; o el propio alimento procesado que sirvió como título para la película, ya que en lugar de Soylent Green, en la novela son llamados "Filetes de Soylent" (Soylent Steaks). 

Todos estos cambios fueron muy probablemente la causa principal por la que al escritor Harry Harrison se le negó contractualmente tener algún control sobre el guion una vez que Metro-Goldwyn-Mayer compró los derechos del libro para realizar la película. 

El rodaje de Cuando el destino nos alcance comenzó el 5 de septiembre de 1972 y se alargaría varias semanas, llegando hasta finales del mismo año. La película se filmó por completo en California, en localizaciones como la Estación generadora de energía de la refinería Chevron, situada en la localidad de El Segundo (California), y que se utilizaría para ambientar la factoría Soylent. 

El Memorial Sports Arena de Los Ángeles fue utilizado para ambientar los exteriores e interiores de la fábrica de eutanasia; mientras que los estudios de Metro-Goldwyn-Mayer, situados en Culver City, fue donde se filmaron la mayoría de las escenas de interiores, así como la secuencia de los disturbios en Nueva York.

Durante el filmación también hubo lugar para la improvisación de algunas escenas. La secuencia en la que Thorn y Roth disfrutan de una comida fresca no estaba incluida originalmente en el guion, pero el director Richard Fleischer le pidió a los actores que la improvisaran sobre la marcha. El resultado fue tan convincente que se decidió incluir en el metraje final. 

La escena de la muerte por eutanasia del personaje de Solomon "Sol" Roth, interpretado por Edward G. Robinson, escondía detrás un emotivo significado. El actor, que en el momento del rodaje estaba ya muy enfermo y prácticamente en fase terminal, cumplió como un auténtico profesional con su trabajo a pesar de todo y acudió puntualmente a cada día de rodaje. Cuando se filmó esta escena, Edward G. Robinson, quien ya había trabajado anteriormente con Charlton Heston en otras películas como "Los diez mandamientos" (1956) o "El planeta de los simios" (1968), sabía que sería su última actuación. 

Al parecer, uno de los problemas derivados de su delicado estado de salud, es que el actor estaba casi totalmente sordo y únicamente podía escuchar a la gente correctamente si le hablaban directamente al oído. Sus escenas de diálogo tuvieron que filmarse varias veces antes de que consiguiera el ritmo del diálogo y pudiera responder a las personas como si pudiera escucharlas. No podía tampoco escuchar correctamente al director Richard Fleischer gritar "corten" cuando una escena salía mal, por lo que Robinson a menudo continuaba representando la escena, sin darse cuenta de que el rodaje se había detenido.

La partitura de "regreso a casa" utilizada en la escena de la muerte de Roth, fue dirigida por Gerald Fried y consta de los temas principales de la Sinfonía n. ° 6 ("Pathétique") de Tchaikovsky, la Sinfonía n. ° 6 ("Pastoral") de Beethoven y la Suite Peer Gynt. ("Morning Mood" y "Åse's Death") de Edvard Grieg.

Pocas semanas después de terminar el rodaje, Edward G. Robinson fallecía el 26 de enero de 1973 a los 79 años de edad. Había trabajado como actor en 100 películas, y dos meses después de su muerte la Academia de Cine de Hollywood le concedió un Óscar honorífico a su carrera.

Para los amantes de los Huevos de Pascua de película, en Soylent Green podemos ver uno bastante curioso aunque realmente sencillo de detectar. Para el film se utilizó una unidad de gabinete personalizada del primer juego de arcade Computer Space (1971), lo que se considera la primera aparición de un videojuego en una película. El arcade, que se pintó de blanco para la película, se puede ver en el apartamento de William R. Simonson, ya que se lo regala a su "mobiliario" femenino Shirl para entretenerla. 

También se hace durante el film un pequeño guiño a la novela de Harry Harrison en la que se basa la película. Cuando Thorn le informa al sacerdote en la iglesia abarrotada que Simonson está muerto, el sacerdote dice: "Debería haber una misa de réquiem, pero no hay sitio. ¿Debería hacer sitio?" Una frase en referencia al título "¡Hagan sitio!, ¡hagan sitio!" del libro.

Como película que plantea un futuro distópico del año 2022, su visionado lleva también al espectador a poder revisar los aciertos y fallos en las previsiones de cómo sería el futuro. Al margen del apartado tecnológico, donde Soylent Green fracasó estrepitosamente en el planteamiento, con el videojuego Computer Space como lo más avanzado tecnológicamente de toda la película, también dejó algunas curiosas previsiones e ideas. 

Entre la multitud que se amotina cuando les dicen que se acabaron las raciones, muchos individuos llevan mascarillas que les tapan la boca y la nariz, algo que que podemos ver en cualquier parte del mundo actualmente. En la escena previa al motín donde se reparte Soylent Green, una mujer exasperada que salía de la fila dice: "¡Me dieron un cuarto de kilo! Estuve haciendo fila todo el día y me dieron un cuarto de kilo". Esto sugiere que Estados Unidos habría cambiado al uso del sistema métrico que mide los pesos en kilogramos (previsión que no se cumplió ya que el país sigue utilizando el sistema imperial o sistema anglosajón). 

Fue también una de las primeras películas que aborda el tema de los gases de efecto invernadero, y otros temas que trata la historia, como la superpoblación o la escasez de alimentos y materias primas, fueron bastante proféticos. Uno de los mejores ejemplos en este sentido lo vemos en una secuencia en la que el detective Thorn dice: "El océano se está muriendo, el plancton se está muriendo...". La masa de peces en el océano de la Tierra se ha reducido drásticamente en las últimas décadas y, según los últimos estudios, el fitoplancton, uno de los dos pulmones de nuestro planeta, ha disminuido más del 40 por ciento desde 1950.

Tras su estreno en cines en abril de 1973, la película tuvo un desempeño bastante discreto en taquilla a pesar de contar con Charlton Heston como protagonista, una de las grandes estrellas de Hollywood en la época. Recibió críticas mixtas por parte de la prensa especializada, pero no pasó desapercibida para diversos festivales de ciencia ficción. Ganó el premio Saturn a la mejor película de ciencia ficción del año, el premio Nébula al mejor guion y el premio a la mejor película en el Festival de Cine Fantástico de Avoriaz. También fue nominada al premio Hugo a la mejor película del año, aunque no consiguió ganar en este caso. 

Prácticamente dos décadas después de su estreno en cines, en 1992 se lanzó la versión en VHS y LaserDisc de Soylent Green para el mercado doméstico, donde obtuvo un considerable éxito comercial y se convirtió con el paso del tiempo en una película de culto. 

Posteriormente se lanzaría en 2007 la versión en DVD y en 2011 la versión en Blu-Ray (disponible en Amazon), con bastante contenido adicional sobre curiosidades del film, así como varias escenas eliminadas. Entre estas escenas eliminadas se incluye también la secuencia final que se rodó originalmente, y que es algo más larga y con más diálogo de Charlton Heston antes de cortarse abruptamente y terminar la película. 

Como última curiosidad, hasta la fecha han habido al menos dos intentos de lanzar un producto alimenticio real con el nombre de Soylent Green. El primero de ellos fueron unas galletas verdes a base de espirulina lanzadas a la venta en 2011, que si bien no utilizaron ninguna imagen promocional relacionada con la película, entre la lista de ingredientes se matizaba expresamente y como toque de humor que no estaban hechas a base de personas. Dos años después, la empresa Soylent Nutrition, Inc. comenzó a producir también una línea de productos sustitutivos de comidas con la marca Soylent, en la que se indicaba que "A partir de enero de 2022, Soylent no contiene personas".