Rodaje y curiosidades de Zardoz

Zardoz es una película post-apocalíptica de ciencia ficción y fantasía estrenada en 1974, escrita, producida y dirigida por John Boorman. Rodada por completo en Irlanda, el film está protagonizado por Sean Connery (Zed / Zeta) y Charlotte Rampling (Consuella).

La historia de la película se ambienta en un distópico futuro del siglo XXIII. La población de la Tierra se divide en dos razas: Los considerados inmortales, conocidos como los Elegidos o los Eternos (Eternals); y los mortales denominados "Brutales" (Brutals).  

Mientras los Elegidos forman una casta privilegiada que no envejece y vive una vida pacífica en una burbuja llamada "El Vórtex", los Brutales viven dispersos por el páramo y veneran a un dios de piedra llamado Zardoz. Sin embargo, Zed (Zeta) se niega a aceptar esa situación y su lugar entre los oprimidos, por lo que se embarca en una aventura para exponer la devastadora verdad sobre la sociedad corrupta en la que vive.

Esta coproducción irlandesa, británica y estadounidense contó con un discreto presupuesto de 1,5 millones de dólares, y aunque tras su estreno en cines no recibió demasiadas buenas críticas y apenas se pudo recuperar la inversión, es considerada por muchos aficionados a la ciencia ficción y los futuros distópicos como un auténtico clásico de culto de los 70 por su original argumento, su extravagante puesta en escena y sus peculiares personajes. 

Rodaje y curiosidades de Zardoz

El inicio del proyecto para producir la película Zardoz provino de la forma más inesperada, tras la cancelación de otro curioso proyecto que no llegó a ver la luz. El director John Boorman había logrado en 1972 un notable éxito con el film "Deliverance" (Defensa), una película que fue nominada a 3 Premios Oscar y 5 Globos de Oro. 

Gracias a ello, Boorman fue el director elegido por United Artists para realizar una adaptación al cine de "El señor de los Anillos" de J.R.R. Tolkien, pero mientras estaba inmerso ya en el proyecto, los estudios decidieron cancelar la película debido al elevado coste que iba suponer llevar la historia a la gran pantalla. 

El director seguía sin embargo interesado en hacer una película ambientada en un mundo extraño, por lo que comenzó a trabajar en el guion de Zardoz y decidió producir él mismo el film a través de su productora John Boorman Productions (luego consiguió que 20th Century Fox financiara parte del proyecto). Para ayudarle con el guion, trabajó junto al escritor William Stair, un antiguo colaborador desde hacía tiempo. 

La historia original de Zardoz estaba ambientada cinco años en el futuro y su protagonista era un profesor universitario obsesionado con la desaparición de una joven que vivía en comunas. Boorman visitó algunas comunas para investigar y ambientar mejor la historia, pero poco después cambió totalmente la trama y decidió establecer la historia en un futuro lejano y distópico, cuando la sociedad se había derrumbado. 

El título elegido para el film proviene en realidad de una curiosa reducción de "Wizard of Oz" (El mago de Oz). Simplemente se eliminó las dos primeras letras de la palabra "Wizard" y la preposición, quedando como resultado "Zardoz". 

Con el proyecto en marcha, comenzó el proceso de casting. En abril de 1973 se anunció que la película estaría protagonizada por Burt Reynolds en el papel del personaje principal de Zed (Zeta) y Charlotte Rampling. Poco antes de comenzar el rodaje, Burt Reynolds sufrió una enfermedad que le llevó a tener que retirarse de la producción, y en su lugar se contrató a Sean Connery, un actor que por entonces acababa de dejar la franquicia de James Bond e increíblemente le costaba encontrar nuevos papeles, así que aceptó el papel protagonista en Zardoz. 

Connery aceptó un modesto sueldo de 200.000 dólares por su trabajo en el film y ayudó en todo lo que pudo al director para reducir los costes de producción. Durante las semanas que duró el rodaje, vivió en una casa propiedad de la familia Boorman en el condado de Wicklow y pagaba todas las semanas un alquiler. Además, se desplazaba hasta los sets de filmación en su propio automóvil, rechazando que se le alquilara un coche con chófer para llevarle. 

Para otro de los papeles principales, el personaje de May, se contrató a la actriz británica Sara Kestelman, una actriz muy conocida en el mundo del teatro por sus interpretaciones en obras de Shakespeare, pero que haría su debut en el cine con este film. 

Como curiosidad sobre el casting y un peculiar Huevo de Pascua de la película realmente difícil de detectar, es que en alguna escena se puede ver un cameo del propio director John Boorman, en concreto, hace de un esclavo obligado a trabajar en el campo y que es disparado por Zed. También hacen pequeños cameos sus tres hijas, Daisy, Katrine y Telsche. 

Con el objetivo de ahorrar costes, la mayoría de los extras que participan en la película son nómadas irlandeses (Irish Travellers) del condado de Wicklow, contratados días sueltos para la filmación. 

El rodaje de Zardoz comenzó el 8 de mayo de 1973 y se extendería hasta agosto. La película fue filmada por completo en Irlanda, y casi todas las localizaciones del film se sitúan en el condado de Wicklow. Las escenas interiores se rodaron en los Estudios Ardmore, situados en Bray, también en el condado de Wicklow.  

Al parecer la mayoría de los trajes fueron diseñados por la primera esposa de Boorman, Christel Kruse, si bien en los créditos del film se indica que el vestuario es obra de una Boutique de Dublín. De hecho el vestuario de los personajes, y en especial las ropas de Sean Connery, ha sido tradicionalmente uno de los aspectos más comentados de la película. 

Según se puede ver en los comentarios de la versión en DVD y Blu-ray del film (disponible en Amazon), la idea de Christel para el vestuario de los Brutales era que tenía que representar a unos seres considerados en la película como primitivos o inferiores, por lo que no debería importarle demasiado lo que llevaran puesto, simplemente que fuera cómodo y funcional. 

De esta forma, podemos ver al personaje protagonista de Zed (Zeta), interpretado por Sean Connery, con unas características botas de cuero hasta el muslo, bandoleras cruzadas y unos diminutos pantalones cortos, en una imagen que se ha quedado grabada a fuego en la retina de cualquiera que haya visto la película. 

La desnudez era de hecho una característica importante para algunas escenas, pero las complejas condiciones políticas y culturales de Irlanda en aquella época tuvieron su peso en la producción. No resultó sencillo de conseguir que algunas mujeres se desnudaran o mostrarán los senos en las secuencias correspondientes; y el equipo tuvo numerosos problemas para usar armas durante la filmación, ya que en ese momento estaba vigente en el país una prohibición para importar armas debido a la actividad del IRA. 

En todo caso, el rodaje en Irlanda se terminó en el plazo previsto y, aunque no aparece reflejado en los títulos de crédito, el cineasta Stanley Kubrick ejerció como asesor técnico de la película. 

Otro de los apartados peculiares del film corresponde a la banda sonora. Aunque la historia se ambienta en un distópico futuro lejano a finales del siglo XXIII, John Boorman pensó que en esa sociedad distópica encajaría mejor una música hecha con instrumentos medievales en lugar de unos sonidos futuristas. Contrató a David Munrow para que escribiera la partitura, y la inusual banda sonora de Zardoz está por ello plagada de instrumentos como flautas, campanas y gemscornos (un instrumento similar a las ocarinas), combinados con fragmentos de sinfonías de Beethoven. 

La película Zardoz se estrenó en los cines de Los Ángeles y Nueva York el 6 de febrero de 1974. Las primeras críticas que recibió el film fueron terribles, principalmente porque los espectadores no entendían bien el confuso mundo que planteaba la película, ni muchas de las alegorías y analogías filosóficas que intentaba plantear Boorman en la historia. De poco había servido la secuencia de introducción que los estudios 20th Century Fox solicitaron que se añadiera para que los espectadores entendieran mejor la historia.

Como consecuencia, el resultado en taquilla fue un pequeño fracaso comercial. La producción de Zardoz había costado 1,57 millones de dólares, y en la taquilla norteamericana (incluyendo Estados Unidos y Canadá), recaudó 1,8 millones, recuperando a duras penas la inversión. 

Ese mismo año se lanzó una novelización de la historia que, curiosamente, no tuvo una mala acogida entre los lectores (disponible en Amazon), pero el pésimo resultado un taquilla del film hizo que no se lanzará la versión doméstica en VHS hasta 1984. Durante los siguientes años, la película Zardoz cayó prácticamente en el olvido y se convirtió en una película que se pasaba cada cierto tiempo en televisión en horario nocturno. 

Como sucede en ocasiones, el paso del tiempo ha suavizado considerablemente las críticas hacia el film, hasta el punto de que ha adquirido una considerable legión de seguidores (en gran parte gracias a Internet) y es considerada por muchos aficionados a la ciencia ficción como una película de culto. 

En 2015 se lanzó la versión en Blu-Ray de Zardoz gracias a la popularidad que comenzó a adquirir el film durante los últimos años. Mientras que algunos medios aún mantienen sus bajas puntuaciones y críticas feroces a la película, otros consideran que es una aventura de ciencia ficción excéntrica y provocativa pero de gran ingenio creativo y visualmente impactante. En todo caso, muchas críticas coinciden en que se trata de una película subestimada en su momento, especialmente si se tiene en cuenta el escaso presupuesto con el que contó John Boorman para sacar adelante el proyecto. 

Chinatown, rodaje y curiosidades

Chinatown es una película de cine negro, intriga, misterio y drama, dirigida por Roman Polanski y estrenada en 1974. El film está protagonizado por Jack Nicholson como el detective Jake Gittes, Faye Dunaway como Evelyn Cross Mulwray y John Huston como Noah Cross, en los papeles principales.

La trama de Chinatown se ambienta en el año 1937, cuando en su despacho de Los Ángeles, el detective privado Jake Gittes recibe la visita de una mujer que dice ser Evelyn Mulwray, la esposa del jefe del Servicio de Aguas y Energía de la ciudad. La mujer contrata al investigador privado para que siga a su esposo porque cree que le engaña con una mujer más joven. Sin embargo todo se complica cuando poco después se presenta otra mujer en su despacho afirmando que ella es la auténtica Evelyn Mulwray.

Una historia con un guión inspirado en las llamadas "Guerras del Agua de California", una serie de disputas sobre el agua del sur de California y la ciudad de Los Ángeles a principios del siglo XX.

Con un presupuesto de 6 millones de dólares, la película Chinatown no solo fue un éxito en taquilla tras su estreno en junio de 1974, sino que también obtuvo muy buenas críticas, siendo nominada a 11 Premios Oscar de la Academia de Cine de Hollywood, aunque únicamente consiguió ganar el Oscar al Mejor Guión original (si bien ganó además varios premios internacionales de cine).

Considerada habitualmente como una de las mejores películas de misterio y cine negro que se han hecho, la película Chinatown fue seleccionada en 1991 por la Biblioteca del Congreso para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa".

Rodaje y curiosidades de Chinatown

El origen de la película Chinatown se puede situar en el año 1971, cuando el productor Robert Evans le ofreció 175.000 dólares al guionista Robert Towne para que escribiera un guión para el film "El gran Gatsby" (1974). Towne alegó que no podría mejorar la novela de F. Scott Fitzgerald, por lo que le pidió en cambio 25.000 dólares a Evans para escribir su propia historia que llevaría por título "Chinatown".

Ambientada en el año 1937 en California, la historia de Chinatown tiene como trasfondo la corrupción y la manipulación de un recurso municipal básico como es el agua, por un grupo de oligarcas que actúan en las sombras con casi total impunidad. Una historia que en realidad Towne tenía pensado que fuera la primera parte de una trilogía, tratando en las sucesivas secuelas otros recursos finitos como el petróleo o la tierra.

Al estar basada en parte la trama en hechos reales, también algunos personajes se han asociado a personas que existieron realmente en la época. Es el caso del personaje de Hollis Mulwray (interpretado en el film por Darrell Zwerling), quien se cree que está basado en William Mulholland, el ingeniero jefe del Departamento de Los Ángeles de Agua y Energía, quien supervisó la construcción del acueducto de 230 millas que lleva agua desde el valle de Owens a Los Ángeles.

De hecho, durante la película, Mulwray se opone a la presa que pretende construir Noah Cross hasta la ciudad de Los Ángeles por razones de ingeniería y seguridad, argumentando que no repetiría su error anterior, cuando su presa se rompió y provocó cientos de muertes. Esto es en referencia al histórico desastre de la presa St. Francis ocurrido el 12 de marzo de 1928, cuando la presa, inspeccionada por Mulholland el día de su catastrófica falla, se rompió inundando el valle del río Santa Clara y causando la muerte de hasta 600 personas. Un evento que acabó con la carrera de Mulholland.

En todo caso, tal y como confesaría el escritor tiempo después, Towne escribió el guión pensando en Jack Nicholson como el protagonista principal, por lo que el proceso de casting para encontrar al personaje principal fue bastante rápido. El propio Jack Nicholson fue quien mostró el guión a Roman Polanski y le convenció para que dirigiera el film, ya que el actor quería tener un proyecto en común con el director.

El guión original tenía más de 180 páginas e incluía una extensa narración del personaje de Jake Gittes. Polanski decidió recortar esta parte y reordenó la historia para que tanto el público como el propio Gittes desentrañaran los misterios al mismo tiempo. Al parecer estos cambios en el guión no gustaron demasiado a Towne, y tras discutir con Polanski, fue el director quien acabó escribiendo también el desenlace final de la película pocos días antes de filmar las escenas.

Para el personaje femenino principal de Evelyn Mulwray se pensó inicialmente en la actriz Jane Fonda, aunque sería finalmente Faye Dunaway quien conseguiría el papel. En el caso del personaje de Noah Cross, el proceso de casting fue también bastante rápido, siendo John Huston el actor elegido casi desde el principio.

Como curiosidad en el reparto y Huevo de Pascua, el propio Roman Polanski hace un pequeño cameo durante la película (que a punto estuvo de no hacerlo porque no quería tener que cortarse el pelo). Lo podemos ver brevemente en una escena en la que hace del gángster que le corta la nariz a Gittes.

El rodaje de la película Chinatown comenzó oficialmente el 15 de octubre de 1973, alargándose hasta enero de 1974. La filmación se realizó en diversas localizaciones de California, especialmente en la ciudad de Los Ángeles, mientras que la mayoría de escenas interiores se rodaron en los Estudios Paramount de Hollywood.

El tiempo que duró el rodaje fue probablemente mucho más estresante de lo que les hubiera gustado a sus protagonistas, produciéndose varios momentos de tensión durante la filmación. Uno de ellos tuvo como protagonista a William A. Fraker, quien había sido contratado como director de fotografía a petición de Polanski.

Como productor, Robert Evans no estaba de acuerdo con la incorporación de Fraker al proyecto, ya que sabía que era amigo del director y ambos habían trabajado juntos anteriormente, por lo que consideraba que iban a tener demasiado poder de decisión en el film. Sus quejas a Paramount al respecto acabaron dando sus frutos, y Fraker fue reemplazado por John A. Alonzo.

Aunque sin duda los mayores problemas y conflictos que se produjeron durante el rodaje de Chinatown fueron las peleas y broncas que protagonizaron el director Roman Polanski con la actriz Faye Dunaway y con el propio Jack Nicholson, a quien en una acalorada discusión el director le acabó rompiendo su televisor portátil donde veía los partidos de baloncesto de Los Angeles Lakers.

Una de las broncas más conocidas tuvo lugar cuando se estaba filmando la escena en el restaurante Brown Derby. El director estaba haciendo pruebas de iluminación cuando se dio cuenta que Dunaway tenía un cabello rebelde en su perfecto peinado que, según él, estaba estropeando la toma. En lugar de comunicarle la situación a la actriz, se acercó sigilosamente y se lo arrancó bruscamente, a lo que Dunaway respondió pegando gritos, increpando a Polanski y marchándose finalmente del set llorando.

La historia, que podía haber quedado simplemente en una anécdota más del rodaje, acabó publicándose en la prensa, y para calmar la situación se tuvo que hacer una reunión entre los directivos de Paramount y los implicados para conseguir convencer a Dunaway de que volviera al trabajo.

Esta tensión entre Faye Dunaway y Roman Polanski fue constante durante todo el rodaje, comenzando a circular también algunos rumores sobre otros episodios entre ambos. Uno de ellos al parecer sucedió mientras se filmaba una escena en un automóvil, Roman Polanski se negó a dejarla orinar para poder terminar la escena. La actriz acabó orinando en una taza y se la tiró a la cara al director.

Para Jack Nicholson el rodaje fue además un tanto incómodo. En aquella época el actor mantenía una relación Anjelica Huston por lo que no fue sencillo grabar las escenas con su padre, John Huston. Casualmente, el día que se filmó la escena en la que el personaje Noah Cross interroga al personaje de Nicholson con "Sr. Gittes ... ¿duerme con mi hija?", Anjelica Huston se encontraba visitando el set.

En otra de las secuencias, Faye Dunaway le dijo a Jack Nicholson que la abofeteara de verdad porque la escena no estaba quedando bien. El actor se mostró muy reticente pero finalmente lo hizo, siendo la toma que se ve en el film.

Para el peculiar estilo de filmación, narrando la historia con una perspectiva centrada toda la película en el personaje principal, Roman Polanski comentó que se inspiró en las historias de detectives de Raymond Chandler. De hecho, el personaje de Jake Gittes está presente en todas las escenas de la película.

La única escena de la película en la que Jack Nicholson, Faye Dunaway y John Huston aparecen juntos es en la última escena del film. Esta es también la única escena de la película que fue ambientada y filmada en el barrio de Chinatown. Como curiosidad histórica, el barrio chino original de Los Ángeles fue demolido entre 1933 y 1936 para dar paso a Union Station. El actual barrio chino, ubicado a pocas cuadras de distancia, abrió sus puertas en 1938. Así que la única vez que Los Ángeles no tuvo un barrio chino oficial fue en 1937, justo el año en el que se desarrolla la película.

La excelente banda sonora de Chinatown es obra de Jerry Goldsmith, y además de ser nominada al Oscar, es considerada aún hoy una de las mejores bandas sonoras que se han hecho.

Tras el proceso de post-producción, la película Chinatown se estrenó en los cines de Estados Unidos el 20 de junio de 1974, siendo un buen éxito en taquilla tras recaudar cerca de 30 millones de dólares y superar así ampliamente su coste de producción estimado en 6 millones.

En todo caso Chinatown no destacó por su éxito a nivel comercial, sino por su enorme calidad que la convirtieron casi al instante en un auténtico clásico del Cine Negro. Su guión es considerado tan perfecto que habitualmente se usa como ejemplo para seminarios de guionistas y clases de escritura.

Las excelentes críticas que consiguió el film tras su estreno se tradujeron poco después en varios premios internacionales y en 11 nominaciones al Oscar, incluyendo las categorías principales como Mejor película, Mejor director, Mejor actor y Mejor actriz. Tuvo que conformarse únicamente con el Oscar al Mejor guión original, ya que en casi todas las otras categorías competía nada menos que con la segunda parte de "El Padrino" (1974).

El gran éxito de crítica y público llevó a que en 1990 se estrenara la secuela con el título "The Two Jakes" (Los dos Jakes), con Robert Towne participando nuevamente en el guión para continuar su trilogía y con Jack Nicholson como director y actor protagonista. En esta secuela el detective Jake Gittes se ve atrapado en la década de 1940 en otra trama de misterio con el negocio del petróleo como trasfondo de la historia.

La secuela de Chinatown fue un fracaso tanto a nivel comercial como de crítica, lo que provocó que se cancelara la tercera película que completaría la trilogía, la cual se ambientaría en 1968 con la corrupción en la compraventa de terrenos como parte de la historia, y cuyo título iba a ser "Gittes vs. Gittes".

Como última curiosidad, para conocer un poco más sobre cómo se hizo la película Chinatown, aquí puedes ver unas cuantas fotografías del rodaje:

Asesinato en el Orient Express, rodaje y curiosidades

Asesinato en el Orient Express (Murder on the Orient Express) es una película británica de misterio y suspense dirigida por Sidney Lumet y estrenada en 1974.

Con una historia basada en la novela homómina de 1934 de la escritora Agatha Christie, la película Asesinato en el Orient Express tiene como protagonista principal al detective belga Hércules Poirot (interpretado por Albert Finney), a quien se le pide investigar el asesinato de un magnate de negocios estadounidense a bordo del tren Orient Express. Poirot, su amigo Signor Bianchi (Martin Balsam), y el Dr. Constantine (George Coulouris), trabajarán juntos para resolver el caso con la ayuda del francés Pierre Michel (Jean-Pierre Cassel), el conductor del coche-cama.

Los sospechosos del crimen son interpretados por un elenco de estrellas que completan el reparto, con Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Sean Connery, John Gielgud, Vanessa Redgrave, Michael York, Jacqueline Bisset, Anthony Perkins y Wendy Hiller.

Con un presupuesto que superó el medio millón de libras, la película Asesinato en el Orient Express fue un gran éxito comercial, recibiendo además excelentes críticas por parte la prensa. El film fue nominado a seis Premios Oscar de la Academia de cine de Hollywood por Mejor actor (Finney), Mejor actriz de reparto (Bergman), Mejor guión adaptado, Mejor música original, Mejor fotografía y Mejor diseño de vestuario, aunque únicamente consiguió ganar la estatuilla la actriz Ingrid Bergman.

Rodaje y curiosidades de "Asesinato en el Orient Express"

La escritora Agatha Christie se había mostrado durante años bastante disgustada sobre algunas de las adaptaciones al cine que se habían hecho de sus libros en la década de 1960. Por ello, cuando Nat Cohen, presidente de EMI Films, y el productor John Brabourne intentaron obtener su aprobación para adaptar "Asesinato en el Orient Express" a la pantalla, la famosa escritora británica se mostró reacia.

Para intentar convencerla recurrieron al Conde Mountbatten de Birmania (último Virrey de la India), quien era miembro de la familia real británica además de suegro de Brabourne, para que los ayudara a abordar el tema. La táctica al parecer funcionó, aunque según confesó posteriormente Max Mallowan, marido de Agatha Christie, la escritora finalmente dio su aprobación porque le encantaba las anteriores películas que habían producido, "Romeo y Julieta" (1968) y "Cuentos de Beatrix Potter" (1971).

Para el casting, el primer actor elegido por el director Sidney Lumet fue Sean Connery, con la idea de que si conseguía para la película a un estrella como Connery, el resto de actores se unirían rápido al proyecto, como así sucedió. Según confesaron varios miembros del reparto, el motivo principal para aparecer en la película fue tener la oportunidad de trabajar con otros miembros del elenco.

Agatha Christe se mostró particularmente satisfecha con la elección de Albert Finney como Hércules Poirot. Según dijo, Finney representaba a la perfección a su personaje, salvo por un pequeño detalle.

Para la escritora, el bigote del famoso detective belga debía haber sido más fino, ya que en los libros lo retrata como "el bigote más fino de Inglaterra". En realidad Finney no fue la primera opción para el personaje, ofreciéndose anteriormente el papel a Sir Alec Guinness y Paul Scofield, aunque ninguno de ellos estaba disponible.

La actriz Wendy Hiller tampoco fue la primera opción para el papel de la princesa Dragomiroff. El director Sidney Lumet inicialmente quería a Marlene Dietrich, una de las grandes divas del Hollywood clásico, pero la actriz lo rechazó porque pensaba retirarse.

Se ofreció entonces a Ingrid Bergman la posibilidad de interpretar cualquier papel a su elección, aunque el director sugirió a la actriz el papel de la princesa Natalia Dragomiroff. Después de leer el guión, Bergman solicitó interpretar el personaje de Greta Ohlsson, la enfermera sueca, debido a que sentía afinidad por el personaje. Una decisión que se demostró acertada, consiguiendo posteriormente el Oscar por este papel.

Su actuación ganadora del Oscar está contenida en una sola escena, en el interrogatorio que Poirot somete a Greta Ohlsson, y que está filmado en una sola toma continua, de casi cinco minutos de duración. A pesar de su origen sueco, la actriz había perdido ya su acento tras trabajar casi 40 años en películas en inglés, por lo que se necesitó contratar a un profesor para practicar los diálogos y remarcar el acento sueco de su personaje.

Los múltiples idiomas y el choque cultural son un hilo esencial del tejido de la historia. Poirot declara desde el principio del film su fascinación por "un grupo de extraños de diferentes orígenes reunidos por el destino, sus destinos controlados por el motor del tren".

Muchos de los actores y actrices retrataban nacionalidades muy alejadas de ellos: entre los británicos, Albert Finney interpretó a un belga, Michael York a un húngaro, Jacqueline Bisset a un estadounidense disfrazado de un húngaro, Wendy Hiller, una rusa, Rachel Roberts, una alemana, Denis Quilley, un italiano, y George Coulouris, un griego; mientras que el irlandés Colin Blakely apareció como estadounidense, y el estadounidense Martin Balsam interpretó a un italiano. Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Jean Pierre Cassel, Sir Sean Connery, Sir John Gielgud, Anthony Perkins, Vanessa Redgrave y Richard Widmark interpretaron por su parte sus propios "grupos étnicos" en esta película.

El rodaje de Asesinato en el Orient Express se realizó en diversas localizaciones de Francia, Inglaterra y Turquía. La película se filmó en Panavision, y la mayoría de las escenas interiores se filmaron en los EMI Elstree Studios, situados en Hertfordshire, Inglaterra.

La mayoría de escenas de exteriores se realizaron principalmente en Francia, utilizando un taller ferroviario cerca de París para la estación de Estambul. Las secuencias en las que el Orient Express avanza por Europa central se filmaron en las montañas del Jura (en la frontera con Suiza), mientras que las escenas del tren atrapado en la nieve se filmaron cerca de la localidad de Montbenoît.

Los vagones originales del Oriente Express ya no existían en el momento de la filmación, aunque el verdadero tren locomotora del Orient Express se pudo utilizar en la película, si bien no podía viajar muy lejos. Solo se conservaban algunas partes de los carruajes en algunos museos de Europa, principalmente en Bélgica, y la mayoría tuvieron que ser recreados a partir de partes reales prestadas de los vagones.

Durante las semanas anteriores al rodaje programado para las escenas del tren atrapado en la nieve, comenzó a haber una gran preocupación en el equipo debido a la falta de nieve. Para solucionarlo se hicieron planes para transportar grandes cantidades de nieve, que supondrían un considerable costo adicional, sin embargo finalmente no fue necesario debido a que justo el día antes de rodar la secuencia cayó una fuerte nevada en la zona.

Esta escena está curiosamente basada en hechos reales, en un suceso que ocurrió en 1929, cuando un tren del Orient Express que se dirigía en dirección oeste se quedó atrapado en la nieve durante cinco días en la localidad de Tcherkesskeuy, aproximadamente a ciento treinta kilómetros de Estambul, Turquía. Este incidente inspiró en parte la ambientación de la historia en el libro y posteriormente de la película. La trama principal se inspiró en otro suceso real, el secuestro y posterior asesinato en 1932 de uno de los hijos del famoso aviador Charles A. Lindbergh, representado en la historia con el secuestro de Daisy Armstrong.

Para los amantes de los Huevos de Pascua de películas, el poema que la doncella de la princesa lee en voz alta es "Kennst Du das Land" del poeta alemán Johann Wolfgang von Goethe. El poema contiene una línea que se traduce como "¿Qué te han hecho, oh niño miserable?" Una referencia al asesinato de Daisy Armstrong.

Hay también un curioso guiño a la película "Alarma en el expreso" (1937) del director británico Alfred Hitchcock, protagonizada por Sir Michael Redgrav el padre de Vanessa Redgrave. El personaje de Ratchett desaparece cuando el Orient Express atraviesa un oscuro túnel, dibujándose un inicial en una ventana durante la escena...

Para Albert Finney, el rodaje fue especialmente pesado debido a que caracterizarse para su personaje requería varias horas de maquillaje antes de grabar. Por aquella época, Finney tenía 37 años, pero mediante un maquillaje especial se le dio la apariencia del peculiar detective belga de 55 a 60 años Hércules Poirot.

El actor estaba además actuando en una obra de teatro al mismo tiempo, por lo que apenas tenía tiempo para dormir. Como solución, se ideó una rutina diaria donde una ambulancia le recogía dormido en su casa, en pijama, con cuidado de no despertarlo. Durante la media hora de viaje al estudio, los maquilladores comenzaban el trabajo, terminando de maquillarle en los estudios, con Finney aún dormido en muchas ocasiones.

La escena final, en la que Poirot desarrolla su solución al crimen, tuvo que ser filmada innumerables veces, ya que requería más ángulos de los que se podían capturar en una sola toma, y ​​más cámaras de las que cabían en el pequeño set del coche comedor. Las múltiples tomas fueron un auténtico reto para Albert Finney, cuyo monólogo ininterrumpido constaba de ocho páginas. El resto de miembros del reparto tuvieron que permanecer sentados inmóviles durante horas, manteniendo su postura física para no perder la continuidad. Esta escena dura veintisiete minutos y cincuenta y siete segundos en total.

La alabada música del film fue obra del compositor inglés Richard Rodney Bennett, quien también compuso el tema principal "Orient Express", siendo en este caso reelaborado en una Suite para orquesta. La pieza comienza cuando el tren sale de la estación de Estambul y continúa ininterrumpidamente, a menudo bajo diálogo, durante casi veinte minutos.

La película Orient Express se estrenó en los cines de Reino Unido el 21 de noviembre de 1974 siendo un absoluto éxito de crítica y de público. La premiere del film fue además todo un acontecimiento en la época. La escritora Agatha Christie, de 84 años de edad en ese momento, asistió al estreno (fue además su última aparición en público), donde estuvo acompañada de todo tipo de personalidades y miembros de la alta sociedad británica, incluyendo a la propia reina Isabel II.

El coste final de la producción no se llegó a saber realmente, aunque la mayor parte del presupuesto se invirtió en el casting, lo que supuso un desembolso para los estudios de 554.000 libras esterlinas. En todo caso el film fue un éxito comercial, recaudando más de 36 millones de dólares en taquilla. La película recibió además numerosos premios y reconocimientos, incluyendo sus seis nominaciones a los Oscar y la estatuilla ganada por Ingrid Bergman, tres premios BAFTA o tres premios Evening Standard British.

Junto a los premios, quizás el mayor reconocimiento a este gran clásico del cine vino de la propia Agatha Christie. La escritora británica afirmó después del estreno que Asesinato en el Orient Express fue la mejor adaptación que se ha hecho en pantalla de una obra suya, superando a la que hasta entonces era su preferida, "Testigo de cargo", la película de 1957 dirigida por Billy Wilder.

El jovencito Frankenstein, rodaje y curiosidades

El jovencito Frankenstein (Young Frankenstein) es una comedia inspirada en la clásica novela de terror "Frankenstein" de Mary Shelley, dirigida por Mel Brooks y estrenada en 1974.

Con un guión escrito por Gene Wilder y Mel Brooks, la película El jovencito Frankenstein está protagonizada por Gene Wilder (Dr. Frederick Frankenstein), Peter Boyle (el Monstruo), Marty Feldman (Igor), Teri Garr (Inga), y Madeline Kahn (Elizabeth), en los papeles principales, completando el reparto actores como Cloris Leachman (Frau Blücher), Kenneth Mars (Inspector Kemp), Richard Haydn (Herr Falkstein) o Liam Dunn (Mr. Hilltop).

El film es una parodia de las películas de terror de los años 30, y en particular de las adaptaciones cinematográficas del libro de Mary Shelley, producidas varias de ellas por los Estudios Universal en la década de los años 30.

La historia tiene como protagonista al Dr. Frederick Frankenstein (Fronkonstin), un respetado científico que da conferencias en la Universidad sobre medicina. Tras una de sus conferencias, se le acerca un abogado para comunicarle que ha recibido en herencia la mansión de su abuelo, el famoso Dr. Victor Frankenstein. Frederick viaja a Transilvania, donde con la ayuda de su bella ayudante Inga y el jorobado Igor, encuentra los diarios privados de su abuelo y decide continuar su trabajo.

Rodada en blanco y negro, y con un presupuesto de apenas 3 millones de dólares, "El jovencito Frankenstein" fue un gran éxito de crítica y taquilla. Está considerada una de las mejores películas cómicas de la historia, recibió dos nominaciones al Oscar, y fue seleccionada en 2003 por la biblioteca del Congreso de Estados Unidos para su preservación por ser "cultural e históricamente significativa".

Rodaje y curiosidades de "El jovencito Frankenstein"

Tras acumular varios fracasos en taquilla con películas como "Los productores" (1968), o "Willy Wonka y la fábrica de chocolate" (1971), Gene Wilder finalmente consiguió el éxito con la película de Woody Allen "Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo pero nunca se atrevió a preguntar" (1972).

Mike Medavoy, el agente de Wilder por entonces, le sugirió que hiciera una película con dos actores que había comenzado a representar hace poco, Peter Boyle y Marty Feldman. En esa época, Wilder había empezado a trabajar en una historia original en la que el nieto de Victor Frankenstein heredaba la mansión de su abuelo y continuaba sus investigaciones, por lo que le envió unas páginas a Medavoy con la idea. Su agente le sugirió que hablara con Mel Brooks para dirigir el proyecto.

En realidad Gene Wilder ya había hablado con Mel Brooks sobre el tema un tiempo antes, cuando le había surgido la idea pero aún no había escrito prácticamente nada sobre la historia. El director en su momento le comentó que le parecía original pero no mostró demasiado interés.

Aunque Wilder pensaba que Mel Brooks no dirigiría una película que no había escrito él mismo, tras la sugerencia de su agente volvió a hablar con el director unos meses después, cuando ambos estaban rodando "Sillas de montar calientes" (Blazing Saddles, 1974). El actor le contó de nuevo la idea, aunque esta vez con la historia algo más desarrollada. A Brooks le pareció que podía ser una película muy divertida y accedió a dirigirla.

Ambos trabajaron conjuntamente en el guión final, aunque Wilder puso un requisito a Mel Brooks, que no apareciera en pantalla como suele ser habitual en él en todas sus películas. El motivo era principalmente que Mel Brooks solía romper la "cuarta pared" en sus apariciones, y Wilder buscaba evitar esta situación en el film. Brooks aceptó la condición, aunque en realidad grabó varias partes de voz (como el sonido del lobo aullando cuando se acercan al castillo) y pudo incluso haber hecho un pequeño cameo.

Para los fans de los Huevos de pascua de películas, durante años ha corrido el rumor de que se puede ver a Mel Brooks brevemente caracterizado como uno de los aldeanos, aunque el director siempre ha afirmado que no aparece en el film.

Para el rodaje de El jovencito Frankenstein, Mel Brooks quería un presupuesto mínimo de 2,3 millones de dólares, sin embargo Columbia Pictures únicamente decidió destinar 1,7 millones para la producción. El director habló entonces con 20th Century Fox para que se encargara de la distribución, quienes además accedieron en aumentar el presupuesto hasta los 2,7 millones.

La filmación de la película fue un proceso relativamente rápido, realizándose entre el 26 de febrero y el 3 de mayo de 1974. La mayor parte del film se rodó en un set de rodaje de los estudios 20th Century Fox en Los Ángeles, California, con la excepción de dos escenas concretas. La escena inicial cuando Frederick da la conferencia de medicina, que se grabó en la Universidad del Sur de California (USC); y la escena del teatro, rodada en el Teatro Mayfair de Santa Monica, California.

Si bien el guión fue original, aunque inspirada la historia en el libro "Frankenstein o el moderno Prometeo" de la escritora Mary Shelley, la película se planteó como una parodia de las clásicas películas de terror, especialmente a la serie de películas producidas por Universal en los años 30 y principios de los años 40, como "Frankenstein" (1931), "La novia de Frankenstein" (1935), "La sombra de Frankenstein" (1939) y "El fantasma de Frankenstein" (1942).

Algunas bromas que se pueden ver en el metraje final no estaban en el guión y fueron improvisadas por los actores o incluso por el propio Mel Brooks. La joroba cambiante de Igor fue debido a que el actor Marty Feldman la estuvo cambiando de lado continuamente durante varios días de rodaje. Cuando se dieron cuenta de ello, decidieron incorporarlo al guión. En la escena en la que Frederick está jugando a los dardos y tira uno cerca de la cámara, Mel Brooks improvisó rápidamente el sonido de un gato quejándose, incorporándose también a la película.

Para ambientar mejor la historia y en parte como homenaje a estos clásicos del cine, se decidió hacer la película en blanco y negro, algo muy poco frecuente en los años 70. Además, gran parte del equipo de laboratorio y accesorios utilizados durante la filmación, fue el mismo que se usó para la película Frankenstein de 1931, creado por Kenneth Strickfaden.

Cuando Mel Brooks estaba haciendo los preparativos para la película, descubrió que Ken Strickfade todavía estaba vivo y que vivía en el área de Los Ángeles. Brooks visitó a Strickfaden y se encontró que había guardado todo el equipo en su garaje, incluyendo gran parte de la elaborada maquinaria eléctrica para las secuencias de laboratorio en las películas de Universal sobre Frankenstein. Brooks llegó a un trato con Strickfaden para alquilarle el equipo, y le dio además el crédito en pantalla que no había obtenido por las películas originales.

También se utilizaron para los créditos de apertura el mismo estilo que el de las películas de terror de los años 30, junto a otros recursos de la época como los fundidos a negro. En algunos casos estos fundidos a negro fueron "obligados". En la escena en la que el monstruo se encuentra con el ciego (interpretado por Gene Hackman), cuando al final de la secuencia Hackman dice la frase "¡Espera!, iba a hacer un expresso", el equipo de rodaje estalló en carcajadas y no se pudo seguir rodando la escena, por lo que decidieron terminarla en ese punto.

Un curioso recurso fue el del maquillaje del monstruo. A pesar de que la película era en blanco y negro, la cara del monstruo llevaba un maquillaje de color verde para hacer resaltar sus rasgos en blanco y negro, una técnica que se utilizó también en la clásicas películas de Frankenstein de los años 30.

Para la escena en la que el monstruo vuelve a la vida y se pueden ver sus ojos y sus dientes brillando, se fabricó una cabeza de plástico que se pareciera a Peter Boyle y se añadieron dientes falsos, tejido cerebral falso y una luz para crear el efecto.

Según comentó Mel Brooks, tanto él como el reparto se divirtieron tanto durante el rodaje, que cuando terminó la filmación decidió agregar nuevas escenas para poder seguir filmando. La secuencia que más veces tuvo que repetirse fue la escena en la que Igor muerde las pieles que lleva Elizabeth sobre los hombros. Cada vez que filmaban la escena, al actor se le quedaba un trozo de piel en la boca, provocando las risas del equipo y teniendo que repetir la escena una y otra vez.

En el proceso de post-producción se eliminaros muchas escenas, principalmente para reducir la duración del film, ya que el corte original era casi dos veces más largo que el corte final. Varias de estas escenas eliminadas de "El jovencito Frankenstein" se pueden encontrar fácilmente en Internet: Young Frankenstein - The reading of the will / Young Frankenstein - Three Cut Scenes

La película El jovencito Frankenstein se estrenó oficialmente el 15 de diciembre de 1974 en los cines de Estados Unidos. El film recibió muy buenas críticas por parte de la prensa y fue un rotundo éxito de taquilla, recaudando más de 86 millones de dólares.

Tras su exitoso paso por los cines, el film fue nominado a dos premios Oscar de la Academia de Cine de Hollywood, por mejor guión adaptado y sonido, aunque no ganó ninguna estatuilla. Tampoco consiguió ganar en ninguna de las categorías de los Globos de Oro en los que fue nominado, sin embargo ganó otros premios internacionales de cine, además de varios premios "Saturn".

La popularidad de El jovencito Frankenstein se ha mantenido con el paso de los años. En el año 2007 se estrenó un musical basado en la película, que ha gozado también de gran éxito en todo el mundo, mientras que la película ha sido reconocida en numerosas ocasiones como una de las mejores comedias de la historia del cine.

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