El jovencito Frankenstein, rodaje y curiosidades

El jovencito Frankenstein (Young Frankenstein) es una comedia inspirada en la clásica novela de terror "Frankenstein" de Mary Shelley, dirigida por Mel Brooks y estrenada en 1974.

Película El jovencito FrankensteinCon un guión escrito por Gene Wilder y Mel Brooks, la película El jovencito Frankenstein está protagonizada por Gene Wilder (Dr. Frederick Frankenstein), Peter Boyle (el Monstruo), Marty Feldman (Igor), Teri Garr (Inga), y Madeline Kahn (Elizabeth), en los papeles principales, completando el reparto actores como Cloris Leachman (Frau Blücher), Kenneth Mars (Inspector Kemp), Richard Haydn (Herr Falkstein) o Liam Dunn (Mr. Hilltop).

El film es una parodia de las películas de terror de los años 30, y en particular de las adaptaciones cinematográficas del libro de Mary Shelley, producidas varias de ellas por los Estudios Universal en la década de los años 30.

La historia tiene como protagonista al Dr. Frederick Frankenstein (Fronkonstin), un respetado científico que da conferencias en la Universidad sobre medicina. Tras una de sus conferencias, se le acerca un abogado para comunicarle que ha recibido en herencia la mansión de su abuelo, el famoso Dr. Victor Frankenstein. Frederick viaja a Transilvania, donde con la ayuda de su bella ayudante Inga y el jorobado Igor, encuentra los diarios privados de su abuelo y decide continuar su trabajo.

Rodada en blanco y negro, y con un presupuesto de apenas 3 millones de dólares, "El jovencito Frankenstein" fue un gran éxito de crítica y taquilla. Está considerada una de las mejores películas cómicas de la historia, recibió dos nominaciones al Oscar, y fue seleccionada en 2003 por la biblioteca del Congreso de Estados Unidos para su preservación por ser "cultural e históricamente significativa".

Rodaje y curiosidades de "El jovencito Frankenstein"

Tras acumular varios fracasos en taquilla con películas como "Los productores" (1968), o "Willy Wonka y la fábrica de chocolate" (1971), Gene Wilder finalmente consiguió el éxito con la película de Woody Allen "Todo lo que siempre quiso saber sobre el sexo pero nunca se atrevió a preguntar" (1972).

Mike Medavoy, el agente de Wilder por entonces, le sugirió que hiciera una película con dos actores que había comenzado a representar hace poco, Peter Boyle y Marty Feldman. En esa época, Wilder había empezado a trabajar en una historia original en la que el nieto de Victor Frankenstein heredaba la mansión de su abuelo y continuaba sus investigaciones, por lo que le envió unas páginas a Medavoy con la idea. Su agente le sugirió que hablara con Mel Brooks para dirigir el proyecto.

Mel Brooks y Gene Wilder trabjando en el guión de El jovencito FrankensteinEn realidad Gene Wilder ya había hablado con Mel Brooks sobre el tema un tiempo antes, cuando le había surgido la idea pero aún no había escrito prácticamente nada sobre la historia. El director en su momento le comentó que le parecía original pero no mostró demasiado interés.

Aunque Wilder pensaba que Mel Brooks no dirigiría una película que no había escrito él mismo, tras la sugerencia de su agente volvió a hablar con el director unos meses después, cuando ambos estaban rodando "Sillas de montar calientes" (Blazing Saddles, 1974). El actor le contó de nuevo la idea, aunque esta vez con la historia algo más desarrollada. A Brooks le pareció que podía ser una película muy divertida y accedió a dirigirla.

Ambos trabajaron conjuntamente en el guión final, aunque Wilder puso un requisito a Mel Brooks, que no apareciera en pantalla como suele ser habitual en él en todas sus películas. El motivo era principalmente que Mel Brooks solía romper la "cuarta pared" en sus apariciones, y Wilder buscaba evitar esta situación en el film. Brooks aceptó la condición, aunque en realidad grabó varias partes de voz (como el sonido del lobo aullando cuando se acercan al castillo) y pudo incluso haber hecho un pequeño cameo.

El rodaje de El jovencito FrankensteinPara los fans de los Huevos de pascua de películas, durante años ha corrido el rumor de que se puede ver a Mel Brooks brevemente caracterizado como uno de los aldeanos, aunque el director siempre ha afirmado que no aparece en el film.

Para el rodaje de El jovencito Frankenstein, Mel Brooks quería un presupuesto mínimo de 2,3 millones de dólares, sin embargo Columbia Pictures únicamente decidió destinar 1,7 millones para la producción. El director habló entonces con 20th Century Fox para que se encargara de la distribución, quienes además accedieron en aumentar el presupuesto hasta los 2,7 millones.

La filmación de la película fue un proceso relativamente rápido, realizándose entre el 26 de febrero y el 3 de mayo de 1974. La mayor parte del film se rodó en un set de rodaje de los estudios 20th Century Fox en Los Ángeles, California, con la excepción de dos escenas concretas. La escena inicial cuando Frederick da la conferencia de medicina, que se grabó en la Universidad del Sur de California (USC); y la escena del teatro, rodada en el Teatro Mayfair de Santa Monica, California.

Mel Brooks y Gene Wilder durante el rodaje de El jovencito FrankensteinSi bien el guión fue original, aunque inspirada la historia en el libro "Frankenstein o el moderno Prometeo" de la escritora Mary Shelley, la película se planteó como una parodia de las clásicas películas de terror, especialmente a la serie de películas producidas por Universal en los años 30 y principios de los años 40, como "Frankenstein" (1931), "La novia de Frankenstein" (1935), "La sombra de Frankenstein" (1939) y "El fantasma de Frankenstein" (1942).

Algunas bromas que se pueden ver en el metraje final no estaban en el guión y fueron improvisadas por los actores o incluso por el propio Mel Brooks. La joroba cambiante de Igor fue debido a que el actor Marty Feldman la estuvo cambiando de lado continuamente durante varios días de rodaje. Cuando se dieron cuenta de ello, decidieron incorporarlo al guión. En la escena en la que Frederick está jugando a los dardos y tira uno cerca de la cámara, Mel Brooks improvisó rápidamente el sonido de un gato quejándose, incorporándose también a la película.

Para ambientar mejor la historia y en parte como homenaje a estos clásicos del cine, se decidió hacer la película en blanco y negro, algo muy poco frecuente en los años 70. Además, gran parte del equipo de laboratorio y accesorios utilizados durante la filmación, fue el mismo que se usó para la película Frankenstein de 1931, creado por Kenneth Strickfaden.

El jovencito Frankenstein detrás de las cámarasCuando Mel Brooks estaba haciendo los preparativos para la película, descubrió que Ken Strickfade todavía estaba vivo y que vivía en el área de Los Ángeles. Brooks visitó a Strickfaden y se encontró que había guardado todo el equipo en su garaje, incluyendo gran parte de la elaborada maquinaria eléctrica para las secuencias de laboratorio en las películas de Universal sobre Frankenstein. Brooks llegó a un trato con Strickfaden para alquilarle el equipo, y le dio además el crédito en pantalla que no había obtenido por las películas originales.

También se utilizaron para los créditos de apertura el mismo estilo que el de las películas de terror de los años 30, junto a otros recursos de la época como los fundidos a negro. En algunos casos estos fundidos a negro fueron "obligados". En la escena en la que el monstruo se encuentra con el ciego (interpretado por Gene Hackman), cuando al final de la secuencia Hackman dice la frase "¡Espera!, iba a hacer un expresso", el equipo de rodaje estalló en carcajadas y no se pudo seguir rodando la escena, por lo que decidieron terminarla en ese punto.

Un curioso recurso fue el del maquillaje del monstruo. A pesar de que la película era en blanco y negro, la cara del monstruo llevaba un maquillaje de color verde para hacer resaltar sus rasgos en blanco y negro, una técnica que se utilizó también en la clásicas películas de Frankenstein de los años 30.

Para la escena en la que el monstruo vuelve a la vida y se pueden ver sus ojos y sus dientes brillando, se fabricó una cabeza de plástico que se pareciera a Peter Boyle y se añadieron dientes falsos, tejido cerebral falso y una luz para crear el efecto.

Mel Brooks bromenado con Marty Feldman en El jovencito FrankensteinSegún comentó Mel Brooks, tanto él como el reparto se divirtieron tanto durante el rodaje, que cuando terminó la filmación decidió agregar nuevas escenas para poder seguir filmando. La secuencia que más veces tuvo que repetirse fue la escena en la que Igor muerde las pieles que lleva Elizabeth sobre los hombros. Cada vez que filmaban la escena, al actor se le quedaba un trozo de piel en la boca, provocando las risas del equipo y teniendo que repetir la escena una y otra vez.

En el proceso de post-producción se eliminaros muchas escenas, principalmente para reducir la duración del film, ya que el corte original era casi dos veces más largo que el corte final. Varias de estas escenas eliminadas de "El jovencito Frankenstein" se pueden encontrar fácilmente en Internet: Young Frankenstein - The reading of the will / Young Frankenstein - Three Cut Scenes

La película El jovencito Frankenstein se estrenó oficialmente el 15 de diciembre de 1974 en los cines de Estados Unidos. El film recibió muy buenas críticas por parte de la prensa y fue un rotundo éxito de taquilla, recaudando más de 86 millones de dólares.

Tras su exitoso paso por los cines, el film fue nominado a dos premios Oscar de la Academia de Cine de Hollywood, por mejor guión adaptado y sonido, aunque no ganó ninguna estatuilla. Tampoco consiguió ganar en ninguna de las categorías de los Globos de Oro en los que fue nominado, sin embargo ganó otros premios internacionales de cine, además de varios premios "Saturn".

La popularidad de El jovencito Frankenstein se ha mantenido con el paso de los años. En el año 2007 se estrenó un musical basado en la película, que ha gozado también de gran éxito en todo el mundo, mientras que la película ha sido reconocida en numerosas ocasiones como una de las mejores comedias de la historia del cine.

Póster película El jovencito Frankenstein


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Halloween, la película que popularizó el género Slasher

Halloween (La noche de Halloween) es una película de terror del género "Slasher", dirigida por John Carpenter y estrenada en 1978. Con un guión escrito por Debra Hill y el propio John Carpenter, la historia de la película tiene como protagonista al asesino en serie Michael Myers, quien acecha y mata a las niñeras adolescentes en la noche de Halloween.

Película Halloween - 1978Producida de forma independiente, el film está protagonizado por Donald Pleasence (Dr. Sam Loomis), Jamie Lee Curtis (Laurie Strode), y Nick Castle y Tony Moran como Michael Myers.

El argumento de la película se centra en Michael Myers, quien estaba recluido en un sanatorio cuando era niño por el asesinato de su hermana mayor Judith Myers. Quince años después, se escapa para asesinar a la gente de la ficticia ciudad de Haddonfield, Illinois, mientras es perseguido por su ex psiquiatra, Samuel Loomis.

Con un presupuesto de 300.000 dólares, la película Halloween fue un increíble éxito de taquilla, recaudando 70 millones de dólares en los cines de todo el mundo. El film fue elogiado por el público tras su estreno, aunque también fue acusado de fomentar el sadismo y la misoginia. En todo caso, el legado de Halloween a la historia del cine fue enorme.

Además de crear una extensa franquicia que incluye películas, libros, cómics, un videojuego, y todo tipo de merchandising, Halloween es considerada la película que popularizó el género Slasher durante la década de los 80, sentando las bases para muchas películas del género que se estrenarían los siguientes años. El film fue además seleccionado en el año 2006 para su preservación en el Registro Nacional de Películas de Estados Unidos por su importancia cultural.

Rodaje y curiosidades de Halloween

Al productor de cine independiente Irwin Yablans le impresionó tanto el trabajo de Carpenter en la película "Asalto a la comisaría del distrito 13" (1976), que buscó el apoyo financiero de Moustapha Akkad para un nuevo proyecto que tenía en mente. Una película sobre un asesino psicópata que acechaba a las niñeras, y cuyo director no podía ser otro que John Carpenter.

John Carpenter y Debra Hill en el rodaje de Halloween - 1978A Carpenter se le garantizó que tendría el control creativo total sobre el film, y tras recibir un pago de 10.000 dólares, habló con Debra Hill, su novia por entonces, para comenzar a trabajar en el proyecto. Ambos escribieron una historia original titulada "The Babysitter Murders" que presentaron a Yablans. Al productor le encantó, aunque sugirió un cambio, trasladar la historia a la noche de Halloween y cambiar el título del film, tanto por motivos económicos, como por considerar que la noche de Halloween era la noche perfecta para desarrollar la trama.

El guión de Halloween les llevó diez días terminarlo, inspirándose para la trama en algunas de las tradiciones celtas de Halloween, como el festival de Samhain. Debra Hill, que había trabajado como niñera durante su adolescencia, fue quien escribió los diálogos de los personajes femeninos.

Muchos detalles del guión se basan en elementos familiares para Hill y Carpenter. La ciudad ficticia de Haddonfield, Illinois, se derivó de Haddonfield, Nueva Jersey, donde se crió Hill, mientras que varios de los nombres de las calles se tomaron de Bowling Green, la ciudad natal de Carpenter. Laurie Strode era el nombre de una de las antiguas novias de Carpenter, y el nombre del protagonista Michael Myers era el nombre de un productor inglés que conocía Yablans

Halloween detrás de las cámarasTambién se incluyó en el guión un pequeño homenaje al director Alfred Hitchcock, como el nombre del personaje Tommy Doyle, tomado del teniente Thomas J. Doyle (Wendell Corey) en "La ventana indiscreta" (1954), o el nombre del Dr. Loomis, que deriva de Sam Loomis (John Gavin) de "Psicosis" (1960).

Según comentó el propio Carpenter, para la historia principal del villano Michael Myers se inspiró en las típicas leyendas urbanas de casas encantadas que hay en muchas comunidades de Estados Unidos, y en una visita que hizo en la Universidad a una institución psiquiátrica de Kentucky, donde conoció a un muchacho con una mirada esquizofrénica que le impactó especialmente.

Debido al limitado presupuesto, Carpenter no podía contratar a grandes estrellas para el reparto, y la mayoría de los actores recibieron un sueldo bastante bajo por su trabajo. El actor mejor pagado fue el veterano Donald Pleasence, que recibió 20.000 dólares por interpretar el personaje del Dr. Sam Loomis.

Pleasence no fue en realidad la primera opción, ya que el papel se le había ofrecido anteriormente a Peter Cushing, tras aparecer poco antes en la primera película de "La Guerra de las Galaxias" (1977). El agente de Cushing rechazó la oferta de Carpenter debido al bajo salario, y ofrecieron el papel a Christopher Lee, quien también lo rechazó. El actor más tarde le diría a Carpenter y Hill que rechazar el papel fue el mayor error que cometió durante su carrera. Finalmente se contrató a Donald Pleasence, que aceptó según dijo, porque a su hija le había encantado la anterior película de Carpenter.

John Carpenter con Jamie Lee Curtis durante la filmación de HalloweenTampoco Jamie Lee Curtis fue la primera opción para el papel de la protagonista femenina Laurie Strode. Se ofreció el papel originalmente a Anne Lockhart, pero ésta lo rechazó debido a que tenía comprometidos ya otros proyectos.

Debra Hill se enteró que Jamie Lee Curtis, un actriz por entonces desconocida a quien había visto en televisión, era hija de Janet Leigh, una actriz famosa por su escena en la ducha en la película "Psicosis". A Carpenter le gustó la idea, y contrató a Jamie Lee Curtis para el papel, en el que sería su debut en un película, recibiendo 8.000 dólares por su trabajo.

El reparto principal lo completaron actrices sin apenas experiencia en el cine, como Nancy Kyes en el papel de Annie Brackett; P. J. Soles como Lynda Van Der Klok; y el actor Nick Castle, amigo personal de Carpenter, en el papel del villano Michael Myers enmascarado. Las últimas escenas de la película, con Michael Myers sin máscara, fueron interpretadas por Tony Moran. De todas las protagonistas femeninas, únicamente Jamie Lee Curtis era en realidad una adolescente cuando se filmó la película.

Nick Castle interpretando a Michael MyersEl empresario, productor, y director de cine Moustapha Akkad, aportó los 300.000 dólares para financiar la película. De este presupuesto salieron también los 10.000 dólares que recibió John Carpenter para dirigir el film, escribir el guión y componer la música. Akkad acordó también con Carpenter que el director recibiría el 10% de las ganancias de la película.

Debido al bajo presupuesto del film, gran parte del vestuario y los accesorios se fabricaban con artículos que tenían a mano, o se compraban a bajo costo. Tommy Lee Wallace fue contratado como director de arte, diseñador de producción y coeditor, siendo también quien creó la máscara de Michael Myers.

Para crear la famosa máscara de Halloween, Wallace usó una máscara del Capitán Kirk (Star Trek) que había comprado por apenas dos dólares en una tienda de disfraces de Hollywood Boulevard. Arrancó las cejas y las patillas, amplió los agujeros de los ojos, y pintó toda la máscara de un color blanco azulado consiguiendo un efecto espeluznante, que se convertiría en uno de los grandes símbolos del cine de terror.

Jamie Lee Curtis durante el rodaje de Halloween - 1978El rodaje de Halloween se realizó en 20 días durante un período de cuatro semanas en mayo de 1978. Como el presupuesto para la producción era muy limitado, estaban escasos de personal durante la filmación, y era habitual que los miembros del reparto ayudaran también a mover el equipo y las cámaras. Casi toda la filmación de la película se realizó con cámaras Panavisión y una Steadicam, que permitía a los cineastas moverse por los espacios sin problemas.

Entre las localizaciones de la película se incluyen South Pasadena en California; la Escuela de Primaria de Garfield en Alhambra; el cementerio de Sierra Madre en california; una casa abandonada que era propiedad de una iglesia y se utilizó como la casa de Myers; o dos casas en Orange Grove Avenue (cerca de Sunset Boulevard) en Hollywood, que se usaron para el clímax de la película.

La casa de Myers se muestra en casi toda la película como un lugar decrépito y abandonado, sin embargo, como la casa tenía que parecer normal (y amueblada) para las primeras escenas con el joven Michael Myers, casi todo el elenco de actores y el equipo de producción trabajaron juntos para limpiar el lugar, colocar el papel tapiz y los muebles, instalar agua corriente y electricidad, y luego sacarlo todo cuando terminaron la escena.

Jamie Lee Curtis besando a Michael Myers durante un descanso del rodajeAl rodarse la película en mayo, al equipo de producción le costó encontrar calabazas en primavera, y tuvieron que comprar las típicas hojas de otoño que caen de los árboles a un decorador, y reutilizarlas en varias escenas. Contaron también durante la filmación con la ayuda de las familias locales, que vistieron a sus hijos con disfraces de Halloween para las escenas de "truco o trato".

La idea para la secuencia inicial era la de recorrer una larga acera que terminaba mostrando una máscara del asesino en el suelo. Se abandonó esta idea y se sustituyó por una apertura en la que se puede ver la icónica "Jack O'Lantern", la clásica calazaba de Halloween iluminada en su interior, con un fondo negro, mientras suena el tema principal del film.

Para crear el efecto deseado de terror y suspense, Carpenter inventó un "medidor de miedo" para cada escena. De esta forma indicaba a Jamie Lee Curtis el terror que debía mostrar su personaje en ciertas escenas. Para el personaje de Myers, el actor Nick Castle apenas recibió ninguna indicación, ya que su misión casi exclusivamente consistía en ir de un lugar a otro. La única indicación de Carpenter que recibió el actor fue durante la secuencia de asesinato de Bob, en la que le dijo a Castle que inclinara la cabeza y examinara el cadáver como si fuera "una colección de mariposas".

John Carpenter con su banda The Coupe De VillesLa banda sonora de la película fue compuesta por el propio Carpenter, una melodía de piano que el director compuso en tres días. Para los amantes de los Huevos de Pascua de películas, en realidad se pueden escuchar algunas canciones en el film.

Una de ellas es una canción sin título interpretada por Carpenter y un grupo de amigos que formaron una banda llamada "The Coupe De Villes". La canción se escucha cuando Laurie entra en el coche de Annie. También aparece en el film la canción "(Don't Fear) The Reaper" de la banda de rock clásico Blue Öyster Cult.

El genial cartel de la película dibujado a mano, obra de Bob Gleason, fue tan sencillo como efectivo para la promoción del film como una película de terror. En el póster podemos ver a una clásica calabaza de Halloween junto a un puño que agarra con fuerza un enorme cuchillo, el título de la película, y una pequeña frase que dice "The Night He Came Home" (La noche que Él vino a casa).

La película Halloween se estrenó oficialmente el 25 de octubre de 1978 en el teatro AMC Empire de Kansas City, Missouri. Dos días después, el 27 de octubre de 1978 el film hizo su debut en Los Ángeles. El film pasó inicialmente bastante desapercibido para la crítica, que apenas le dedicó artículos en los medios especializados.

Sin embargo la respuesta del público fue muy distinta. Halloween fue un enorme éxito de taquilla, recaudando más de 47 millones de dólares en los cines de Estados Unidos, y 23 millones más a nivel internacional, convirtiéndola en una de las películas independientes más exitosas de la historia.

El equipo de la película Halloween - 1978

Impacto y legado de Halloween

Tras su estreno y popularidad, la influencia de Halloween al cine de terror fue enorme. El subgénero Slasher se caracteriza por ser películas en las que el villano es un psicópata violento que acecha y asesina a un grupo de personas, generalmente mediante el uso de determinadas armas como "armas blancas" o cuchillos.

Entre algunas de las primeras películas que dieron origen al género Slasher se encuentran thrillers psicológicos como "Psicosis" (1960), "Venganza diabólica" (1963), y "Demencia 13" (1963); o films posteriores como "Silent Night, Bloody Night" (1972) y "La matanza de Texas" (1974), que ya pueden considerarse propiamente como "Slasher".

Carpenter bromenado durante la filmación de una escena de HalloweenSi bien Halloween no fue la primera película Slasher (y curiosamente apenas muestra sangre y violencia en pantalla), es habitualmente considerada la película con la que se inició la edad dorada del género Slasher, comenzando en 1978 tras el estreno del film y alargándose durante buena parte de la década de los 80.

Halloween estableció y popularizó buena parte de los elementos típicos del género Slasher, y muchos de sus tópicos, como el asesinato de personajes que abusan de drogas o son promiscuos sexualmente, el uso de un tema musical específico para el villano, o el clásico tropiezo de la chica cuando huye del asesino. Carpenter también filmó muchas escenas desde la perspectiva del asesino para aumentar la tensión, una idea que se plagiaría hasta la saciedad.

John Carpenter y Debra Hill han afirmado muchas veces a lo largo de los años que no se propusieron conscientemente describir la virginidad como una forma de "derrotar" al asesino. La razón por la que el resto de adolescentes mueren es simplemente porque están ocupados en tener relaciones sexuales y no se dan cuenta de que hay un asesino rondando.

Gracias a su popularidad, Halloween se convirtió en un modelo de éxito que muchas otras películas de terror, como "Viernes 13" (1980) y "Pesadilla en Elm Street" (1984), seguirían, y que otras como "Scream" (1996) parodiarían años después.

El icónico villano Michael MyersEl film tampoco se libró de las críticas, siendo calificado de misógino por su violencia contra las mujeres, y donde la protagonista se libra más por suerte que por su inteligencia o habilidades. El propio Carpenter salió al paso de las críticas comentando que "Halloween es simplemente una película de terror".

En todo caso, nada pudo frenar el éxito del film, y poco después se publicaría una novela basada en la película escrita por Curtis Richards (un seudónimo de Richard Curtis) que se reeditaría varias veces, un videojuego para la computadora Atari 2600, diversos cómics, y todo tipo de merchandising. Su influencia abarcó además otros ámbitos inesperados, y gracias a su éxito internacional dio a conocer la festividad de Halloween en países como España, donde era prácticamente desconocida en aquellos años.

La película original de 1978 dio lugar también a numerosas secuelas y remakes, aunque únicamente la segunda película de la saga "Halloween II" (1981), contó con la participación de Carpenter y Hill, siendo otro gran éxito de taquilla. Las secuelas oficiales continuarían con "Halloween III: Season of the Witch" (1982); "Halloween 4: The Return of Michael Myers" (1988); "Halloween 5: The Revenge of Michael Myers" (1989); "Halloween: The Curse of Michael Myers" (1995); y "Halloween" (2018), una secuela de la película de 1978 cuya historia se desarrolla 40 años después de los sucesos del film original y en la que Jamie Lee Curtis y Nick Castle repiten sus papeles como Strode y Myers.

Como última curiosidad, para su primera emisión en televisión, se tuvieron que agregar escenas adicionales para que se ajustaran al tiempo de duración requerido. John Carpenter las filmó durante la producción de "Halloween II" y las agregó a la película original.

La película Halloween fue nominada a varios premios específicos del cine de terror, y como reconocimiento de su impacto, en 2006 la Biblioteca del Congreso seleccionó a "Halloween" para su conservación en el Registro Nacional de Películas de los Estados Unidos por ser "cultural, histórica o estéticamente importante". El film ha seguido recibiendo reconocimientos desde su estreno por su legado al género Slasher y es considerada por la mayoría de críticos y expertos como una de las mejores películas de terror de la historia del cine.

Póster original película Halloween


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El rodaje de Sin City

Sin City (Ciudad del pecado), conocida también como Frank Miller's Sin City, es una película de acción del género "Neo-noir", basada en la serie de historietas del mismo nombre, dirigida por Robert Rodriguez y Frank Miller, con la participación especial de Quentin Tarantino como director invitado.

El rodaje de Sin CityEstrenada en 2005, el reparto principal de Sin City está compuesto por Jessica Alba (Nancy Callahan), Benicio del Toro (Jack "Jackie Boy" Rafferty), Brittany Murphy (Shellie), Clive Owen (Dwight McCarthy), Mickey Rourke (Marv), Bruce Willis (John Hartigan), y Elijah Wood (Kevin).

El argumento de la película es una adaptación al cine de los libros primero, tercero y cuarto de la serie de cómics "Sin City" de Frank Miller. El film se divide en tres historias: "El duro adiós" (The Hard Goodbye), sobre un hombre que se embarca en la búsqueda del asesino de su amante, matando a cualquiera que se interponga en su camino; "La gran masacre" (The Big Fat Kill), que desarrolla la historia de un hombre atrapado en una guerra callejera entre un grupo de prostitutas, mercenarios, la policía y la mafia; y "Ese bastardo amarillo" (That Yellow Bastard), sobre un viejo oficial de policía que protege a una joven de un asesino en serie grotescamente desfigurado.

El película cuenta también con una cuarta historia a modo de introducción y final del film basada en el sexto libro de la serie de cómics y titulado "El cliente siempre tiene la razón" (The Customer is Always Right).

Con un presupuesto de 40 millones de dólares, Sin City fue un éxito de crítica y taquilla, siendo especialmente reconocida por su original tratamiento del color en pantalla, con la mayor parte de la película en blanco y negro, agregando color a objetos concretos en determinadas escenas, creando un peculiar efecto visual durante todo el film.

El rodaje de Sin City

Tras su mala experiencia en Hollywood con las películas "Robocop 2" (1990), y "Robocop 3" (1993), Frank Miller no quería en un principio vender los derechos cinematográficos de su obra "Sin City" por temor a un fracaso.

Portada del cómic Sin City de Frank MillerComo gran seguidor de la obra de Miller, el director Robert Rodriguez estaba deseando adaptar esta novela gráfica a la pantalla, y se lanzó a convencer a Miller. Su plan era hacer una adaptación de Sin City lo más fiel posible, siguiendo de cerca la historia original.

Para conseguir convencer a Miller de llevar su cómic al cine, Rodriguez realizó una primera prueba con la historia "El cliente siempre tiene la razón" (protagonizada por Josh Hartnett y Marley Shelton). El director invitó a Miller para que viera el resultado, y le encantó, dando su bendición para el proyecto al instante.

Las escenas de esta pequeña historieta se usarían posteriormente para el metraje final de Sin City, y también servirían para mostrar la idea de lo que se pretendía y reclutar para la película a actores como Bruce Willis o Mickey Rourke.

El rodaje de Sin City comenzó el 29 de marzo de 2004, y el film fue una de las primeras películas junto a "Sky Captain y el mundo del mañana" (2004), "Casshern" (2004), o "Immortel (ad vitam)" (2004) que se rodaron principalmente en un backlot digital o "backlot virtual". Para la filmación se utilizó una cámara digital de alta definición Sony HDC-950, con los actores trabajando principalmente en un estudio frente a una pantalla verde, para insertar posteriormente los fondos artificiales, así como cualquier otro elemento necesario como vehículos.

Sin City detrás de las cámarasUna técnica de filmación utilizada en películas de ciencia ficción o basadas en cómics, necesaria para lograr lo que de otro modo sería demasiado caro o imposible de construir como un conjunto real, y que se popularizaría a partir de Sin City, siendo utilizada posteriormente en otros conocidos films como "300" (2007), "Avatar" (2009), o "Alicia en el país de las maravillas" (2010).

El uso de una pantalla verde se ha convertido en un estándar de la industria para la filmación de efectos especiales, sin embargo en el momento del rodaje de Sin City, el uso de cámaras digitales de alta definición para la producción de esta película era bastante inusual. La combinación de estas dos técnicas hizo de Sin City una de las pocas películas de acción en vivo completamente digitales. Esta técnica también significa que toda la película se filmó inicialmente a color y se convirtió posteriormente a blanco y negro.

La colorización se usó en las escenas para destacar objetos concretos o partes del cuerpo y dotar al film de un original efecto visual. Entre ellos podemos ver a color la ropa roja y azul de Devon Aoki; los ojos azules y rojo sangre de Alexis Bledel; el ojo dorado de Michael Clarke Duncan; los ojos verdes de Rutger Hauer; el vestido rojo y el pelo rubio de Jaime King; los zapatos Converse rojos de Clive Owen y su Cadillac; el envase de pastillas con receta de sangre roja y naranja de Mickey Rourke; los ojos verdes, el vestido rojo y los labios rojos de Marley Shelton; la cara y el cuerpo amarillos de Nick Stahl; o las gafas blancas de Elijah Wood.

El color de la película fue corregido digitalmente y se le dio un alto contraste para separar más claramente los negros y los blancos. Esto se hizo no solo para dar un aspecto característico de las clásicas películas de cine negro, sino también para que se pareciera más al cómic original. Para que la sangre de la película tuviera un llamativo color blanco, se usó líquido rojo fluorescente y se utilizó luz negra (luz ultravioleta). En postproducción se terminó de convertir el líquido en blanco.

Contraste blanco negro y color en Sin CityDebido a su forma de rodaje, casi toda la película se filmó en el estudio de Robert Rodriguez en Austin (Texas), donde también se construyeron a mano varios conjuntos para algunas escenas concretas.

El "Kadie's Bar", donde todos los personajes principales aparecen al menos una vez y es también la única ubicación en la que todo se muestra a color; el apartamento de Shellie, donde la puerta de entrada y la cocina son reales, mientras que el baño y los pasillos son artificiales; la celda de la prisión de Hartigan; y el pasillo del hospital en el epílogo.

Algunas escenas se rodaron de forma bastante peculiar. La secuencia en la que Marv acaba saliendo por la boca de una alcantarilla y se apoya en una pared tambaleándose, fue rodada en sentido inverso y luego se mostró hacia adelante, para darle una apariencia al personaje llegar a otro mundo.

Muchas de las tomas se filmaron incluso antes de que los actores hubieran sido contratados, por lo que se usó material que se filmó previamente y se agregó posteriormente a los actores de forma digital en post-producción. Esto llevó a situaciones bastante curiosas. Por ejemplo, Mickey Rourke (Marv) y Elijah Wood (Kevin) no se conocieron hasta después de que la película fuera estrenada.

El actor Elijah Wood durante el rodaje de Sin CityLa lista de actores y actrices que se consideró para algún papel en el film o que llegó a participar en el proceso de casting, fue bastante larga. Para el personaje de Jackie Boy, el director Robert Rodriguez tenía pensado originalmente a Johnny Depp, pero el actor lo tuvo que rechazar por compromisos previos. Adrien Brody hizo una audición para este papel pero no fue contratado. Finalmente se otorgó el papel a Benicio Del Toro.

Uma Thurman, Sarah Jessica Parker, Ashley Judd, Carrie-Anne Moss y Naomi Watts fueron consideradas para interpretar a Lucille antes de que Carla Gugino fuera elegida. Para el personaje de Nancy Callahan se hizo una audición a Jessica Simpson, contratándose finalmente a Jessica Alba.

Michael Madsen fue considerado para el papel de Marv antes de que Mickey Rourke fuera elegido. Madsen acabó interpretando a Bob en el film. Fuera del reparto se quedaron actores como Anthony Michael Hall, quien se postuló para el papel de Dwight; la actriz Kate Bosworth, que era la primera opción para el papel de Gail; Matt Dillon y Michael Douglas, considerados para el papel de Hartigan; Christopher Walken y Willem Dafoe para el personaje del senador Roark, o Leonardo DiCaprio y Steve Buscemi, que estuvieron cerca de interpretar el personaje de Junior.

Jessica Alba durante el rodaje de Sin CityRobert Rodriguez consiguió mantener su promesa de ser fiel al cómic original de Frank Miller, y como prueba de ello, en los créditos de la película Sin City no aparece nadie como guionista, simplemente vemos la frase "Basada en las novelas gráficas de Frank Miller". En realidad hubo algunos cambios, aunque fueron menores, como algunos diálogos, más objetos coloreados, o la no inclusión de varias escenas de desnudos.

Según la historieta, la mayoría de las escenas de desnudos eran del personaje de Nancy, interpretado por Jessica Alba. La actriz no conocía estas escenas del cómic antes de firmar para el papel, pero se negó en rotundo a desnudarse en la película. A Rodriguez y Miller no les pareció especialmente relevante que no aparecieran estas escenas, así que simplemente no las incluyeron.

La banda sonora fue compuesta por Robert Rodriguez, John Debney y Graeme Revell. Una de las canciones más destacadas fue la versión instrumental de la canción "Cells", del grupo londinense "The Servant". El tema fue utilizado ampliamente en la publicidad de la película, tanto en los tráilers promocionales como en los anuncios de televisión. Rodriguez había pedido a Hans Zimmer que compusiera la banda sonora, pero Zimmer no pudo aceptarlo ya que estaba en Inglaterra trabajando en "Batman Begins" (2005).

El personaje de Miho en Sin CityLa película acabó acreditada por tres directores: Frank Miller, Robert Rodriguez y Quentin Tarantino. En realidad Tarantino únicamente dirigió la escena en la que Dwight habla con el muerto Jackie Boy (Benicio del Toro), aunque aportó algo más al film.

Como curiosidad para los amantes de los Huevos de pascua de películas, las espadas utilizadas por Miho (Devon Aoki) en Sin City, son las mismas usadas por algunos de los Crazy 88 en "Kill Bill: Volumen 1" (2003). Quentin Tarantino las conservaba porque las había estado guardando en la parte trasera de su garaje.

El resto de la película fue un trabajo conjunto de Miller y Robert Rodriguez. A pesar de no tener una formación previa como director, Miller estuvo involucrado sustancialmente en la dirección de Sin City, dando orientación a los actores sobre sus motivaciones y lo que necesitaban aportar a cada escena.

El gremio de directores de América (Directors Guild of America) se negó a que fuera acreditado Miller como director. Ante esta negativa, Rodríguez planteó en primer lugar darle el crédito completo a Miller como director, sin embargo Miller no lo aceptó. Rodríguez finalmente decidió renunciar a formar parte del gremio para que pudiera darse el crédito conjunto por el film a los tres directores.

Robert Rodriguez y parte del reparto de Sin City en el Festival de CannesCon un coste de producción final de 40 millones de dólares, la película Sin City se proyectó por primera vez en su premiere el 28 de marzo de 2005, siendo estrenada el 1 de abril en los cines de Estados Unidos.

Recibiendo unas excelentes críticas por parte de público y prensa especializada, el film recaudó casi 30 millones de dólares en su primer fin de semana de estreno. La recaudación final de la película en los cines de todo el mundo fue de 158 millones de dólares.

Aunque pasó de largo por los Oscar y no llegó a obtener ninguna nominación, Sin City ganó diversos premios internacionales de cine, incluyendo el Premio Saturn para Mickey Rourke y a la mejor película de acción, o la Palma de Oro del Festival de Cannes para Robert Rodriguez por los efectos visuales, además de otros premios y nominaciones de asociaciones de cine y otros festivales.

En 2014 se estrenaría la secuela "Sin City: Una dama por la que matar" (Sin City: A Dame to Kill For), dirigida también por Frank Miller y Robert Rodriguez, basando el argumento en el segundo libro de la serie Sin City de Miller. Actores como Bruce Willis, Mickey Rourke, Rosario Dawson o Jessica Alba repitieron sus papeles en esta secuela, sin embargo, a diferencia de la original, Sin City 2 fue una decepción, obteniendo muy malas críticas por lo general y siendo un fracaso en taquilla.

Póster película Sin City


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El último gran héroe, anécdotas y curiosidades de una película de culto

El último gran héroe (Last Action Hero) es una película de acción y comedia, producida y dirigida por John McTiernan, y estrenada en 1993.

Curiosidades El último gran héroePlanteada como una parodia de las películas de acción y de sus típicos clichés, la película está protagonizada por Arnold Schwarzenegger en el papel de Jack Slater, Austin O'Brien (Danny Madigan), Charles Dance (Benedict), Robert Prosky (Nick), Anthony Quinn (Tony Vivaldi), y Tom Noonan en el papel del villano "the Ripper". Durante el film se puede ver además una buena cantidad de cameos de actores y actrices, interpretando algunos de ellos de forma breve, sus papeles más conocidos.

Danny Madigan es un adolescente que vive en Nueva York con su madre viuda. Danny siente un gran interés por el cine de acción, y cuando puede se escapa al viejo cine de su amigo Nick. En una de sus escapadas, Nick le da a Danny un boleto de oro supuestamente mágico, que perteneció a Harry Houdini, y que utiliza para ver el pre-estreno de la última película de Jack Slater, su héroe preferido de las películas de acción.

Durante la proyección de la película, la entrada de oro transporta mágicamente a Danny dentro del mundo ficticio de la película, interrumpiendo a Slater en medio de una persecución de automóviles.

Con un presupuesto de 85 millones de dólares, y un complejo proceso de edición que acabó poco antes de su estreno oficial, la película "El último gran héroe" fue un fracaso en taquilla tras su lanzamiento inicial, sin embargo el film consiguió mejorar sus críticas con el paso del tiempo, y acabó convirtiéndose en una película de culto.

Anécdotas y curiosidades de "El último gran héroe"

El guión original de Last Action Hero fue obra de Zak Penn y Adam Leff, y estaba destinado a parodiar los típicos guiones de películas de acción de escritores como Shane Black, autor de los guiones de films como "Arma letal" (1987), o "El último Boy Scout" (1991).

A los ejecutivos Columbia Pictures no les terminó de convencer el guión propuesto, e irónicamente pidieron a Shane Black que lo reescribiera. La película acabó manteniéndose como una parodia de las películas de acción, pero difería bastante del guión original. Debido a los cambios radicales que se hicieron, Penn y Leff fueron finalmente acreditados con la historia de la película, pero no con el guión.

El rodaje de El último gran héroeLa trama se acabó ambientando en gran parte en el mundo de la película, centrándose en el inútil ciclo de violencia que acompaña al héroe. Para quien tenga curiosidad, el guión original de El último gran héroe se puede encontrar fácilmente en Internet: Last Action Hero - First Draft

En todo caso, la historia encantó a Schwarzenegger porque incluía elementos de acción, comedia, drama y parodia, y comentó que era uno de los mejores guiones que había leído. El actor cobró 15 millones de dólares por la película, aunque no solo por protagonizarla, también trabajó en el film como productor ejecutivo.

El puesto de director se ofreció originalmente a Steven Spielberg, pero lo rechazó porque estaba a punto de comenzar el rodaje de "La lista de Schindler" (1993). Finalmente fue John McTiernan quien además de productor, ocupó también el puesto de director. Spielberg trabajaría años más tarde con el escritor Zak Penn para la adaptación cinematográfica "Ready Player One" (2018), basada en la novela homónima de Ernest Cline.

Después de un largo proceso de casting para completar el reparto principal, y la gran cantidad de estrellas de Hollywood que harían un cameo en la película, el rodaje de El último gran héroe comenzó finalmente el 2 de noviembre de 1992.

La película se rodó completamente en Estados Unidos, repartiéndose los lugares de filmación entre California y Nueva York. Entre algunas de las localizaciones de la película se encuentran Malibú, el Orpheum Theater, el Hyatt Regency Hotel, o Long Beach en Los Ángeles; y el RKO Twin Theatre, o Times Square en Nueva York (que hubo que cerrar 12 horas al día durante una semana para la filmación). Las escenas de estudio se rodaron en los Sony Pictures Studios de California.

Schwarzenegger en el vídeo musical Big Gun de AC/DCUno de los aspectos más alabados de la película fue su excelente banda sonora, compuesta por una selección de canciones de Rock, Hard Rock, Grunge y Heavy Metal, de bandas como AC/DC, Alice in Chains, Megadeth, Queensrÿche, Def Leppard, Anthrax, Aerosmith, o Cypress Hill. El álbum con la música de la película llegó a conseguir el disco de platino en agosto de 1993.

El propio Schwarzenegger fue a hablar personalmente con la banda australiana AC/DC para que escribieran una canción para la película. El resultado fue la canción "Big Gun", el tema central con el que se promocionó el film y en el que se puede ver al actor en el vídeo musical.

Tras acabar el rodaje, comenzó un difícil proceso de edición y post-producción que no convenció a casi nadie, terminando oficialmente la producción el 1 de abril de 1993. Sony Pictures anunció que la fecha de estreno sería el 18 de junio de 1993, y la primera consecuencia de esta decisión fue que Universal adelantó el estreno de "Parque Jurásico" al 11 de junio.

El último gran héroe detrás de las cámarasEl 1 de mayo se realizó una prueba ante una audiencia limitada, y el resultado fue tan catastrófico que los estudios acabaron destruyendo todas las tarjetas de las pruebas con los comentarios de los asistentes. Sin embargo el daño ya estaba hecho, y el boca a boca de que la película era de muy mala calidad se comenzó a extender.

Se realizaron nuevos cambios en la edición del film, con la intención inicial de recortar cerca de diez minutos que se consideraban extremadamente aburridos. El proceso se volvió a alargar más de los esperado, y el metraje final fue entregado para su distribución pocos días antes del estreno en cines. El tiempo fue tan ajustado, que en los tráilers que se proyectaron para promocionar la película se incluyeron escenas eliminadas y alternativas que no llegaron a aparecer en la versión final.

Con un presupuesto de 85 millones de dólares, El último gran héroe se estrenó finalmente en la fecha prevista del 18 de junio de 1993. El primer fin de semana el film obtuvo una taquilla razonable, gracias en gran parte a la gran promoción que se realizó, anunciándola como "la próxima gran película de acción veraniega", y a la presencia de Arnold Schwarzenegger como protagonista, quien había conseguido un tremendo éxito con su anterior película "Terminator 2: el juicio final" (1991).

Máquina de Pinball de El último gran héroeEl gasto en promocionar el film se llevó también buena parte del presupuesto. El último gran héroe tenía varios videojuegos, una millonaria promoción en Burguer King, se pagó un anunció a la NASA para que llevara la imagen de la película espacio en un cohete, y se fabricó un gigantesco muñeco de Jack Slater para el festival de Cannes. Schwarzenegger dio cuarenta entrevistas televisivas y cincuenta y cuatro entrevistas para la prensa escrita en veinticuatro horas, estableciendo un nuevo récord personal.

Sin embargo, el siguiente fin de semana tras el estreno, en Sony Pictures se dieron de bruces con la realidad cuando vieron que la audiencia había caído un 47%. Los estudios llegaron a declarar unas pérdidas de 26 millones de dólares. Si bien la película se consideró un fracaso en taquilla, lo cierto es que el film acabó remontando sus desastrosas cifras de taquilla iniciales, acumulando una recaudación final en los cines de todo el mundo de 137 millones de dólares.

Para Schwarzenegger, el fracaso en taquilla de "El último gran héroe" fue causado por el estreno la semana anterior de "Jurassic Park", un film que rompió récords de taquilla. El actor (y productor ejecutivo en el film) llegó a solicitar al estudio que retrasaran su estreno cuatro semanas, pero los productores se negaron alegando que perderían millones por cada fin de semana veraniego que dejaran pasar.

Arnold Schwarzenegger y Austin O'Brien durante la promoción de la películaA Schwarzenegger le afectó seriamente el fracaso de la película, incluso llegó a considerar que suponía el fin de su carrera en el cine. Nada más lejos de la realidad. Su siguiente película "Mentiras arriesgadas" (1994), fue un gran éxito de taquilla.

Las críticas de "Last Action Hero" tampoco fueron muy positivas, y la película acabó casi cayendo en el olvido como una superproducción para el verano que fracasó en taquilla. A pesar de todo, con el paso de los años, la película ha ido mejorando sus críticas y valoraciones en la mayoría de sitios especializados de Internet, pasando a convertirse en una película de culto gracias a su mezcla única de acción, y comedia, parodiando muchos de los clichés de las películas y los héroes de acción, o por su magnífica banda sonora, plagada de bandas míticas de la historia de la Rock.

Probablemente también influyó a que la película obtuviera un mayor reconocimiento con el tiempo, la gran cantidad de cameos, guiños y Huevos de Pascua que podemos encontrar en el film. Si bien algunos de ellos son bastante sencillos de ver y se muestran claramente, otros no son fáciles de detectar a la primera:

- En la escena en la que explota la casa de Frank, un policía negro dice "Me faltaban dos días para la jubilación", como un guiño al personaje de Danny Glover en "Arma letal". Justo en ese momento comienza a sonar también un extracto de la banda sonora de Arma letal.

- Como estrella del cine de acción, Schwarzenegger se parodia también a sí mismo en el film. Cuando Jack Slater intenta hacerse pasar por el actor en el mundo real, pronuncia continuamente mal el nombre y se hace llamar "Arnold Braunschweiger". La primera parte del nombre real de Arnold, "Schwarz", significa "negro" en alemán, mientras que la primera parte de su nombre equivocado, "Braun", significa "marrón" en alemán. Se trata de un curioso juego de palabras en alemán, ya que "Braunschweiger" es también un tipo de guiso de hígado típico de Braunschweig (Brunswick). En el doblaje alemán, se llama a sí mismo "Arnold Beckenbauer" ("constructor de piscinas"), además de ser el apellido de un conocido futbolista alemán.

Cameo de Sharon Stone en El último gran héroe- Cuando Danny y Jack Slater llegan a la sede de la policía de Los Ángeles, aparecen por la puerta Sharon Stone y Robert Patrick como Catherine Tramell de "Instinto básico" (1992) y el T-1000 de "Terminator 2" (1991), respectivamente, dos películas protagonizadas también por Schwarzenegger.

En realidad Sharon Stone no quería hacer este pequeño cameo, ya que no se llevaba especialmente con Schwarzenegger tras el rodaje de "Desafío Total" (1990) donde las discusiones entre ambos fueron constantes. Sin embargo lo terminó haciendo como un favor al actor cuando éste le recordó que Desafío total había supuesto el despegue de su carrera.

- Entre los cameos que podemos ver fugazmente, se encuentra Little Richard, Maria Shriver (esposa de Schwarzenegger en aquella época), Jean-Claude Van Damme, James Belushi, Damon Wayans, Chevy Chase, Timothy Dalton, MC Hammer, o Tina Turner como alcalde de Los Ángeles en el film "Slater III". Otros actores que también iban a aparecer haciendo un cameo fueron Tony Curtis (que finalmente no apareció) y Tori Spelling haciendo de ella misma, pero su escena se eliminó.

- Frank, el primo de Jack Slater, interpretado por Art Carney, dice en su última escena "Me voy de aquí". Proféticamente fueron en realidad las última palabras que pronunció en pantalla, ya que nunca más volvió a aparecer en ninguna película.

Schwarzenegger y Franco Columbu durante su época de culturistas - Al principio de la película Jack Slater IV aparece en los créditos la frase "Una película de Franco Columbu". Esto es un guiño a Franco Columbu, un actor italiano y conocido culturista, amigo de Schwarzenegger, quien ha aparecido en otras películas del actor como "Pumping Iron" (1977), "Conan el bárbaro" (1982), "Terminator" (1984), "Perseguido" (1987), o "Infierno sin ley" (1993).

- Poco después de que Danny aparece en el asiento trasero del coche de Jack Slater, el conjunto de motocicletas del vídeo musical "Too Funky" de George Michael se ve en una sesión de fotos cuando pasan por el edificio rosa.

- Durante una de las escenas, Danny intenta demostrar a Slater que están dentro de una película, y como prueba de que están en una película clasificada para casi todas las edades (PG-13), escribe en un papel una palabra malsonante que no está permitida en este tipo de películas (la palabra "Fuck" concretamente). Slater es incapaz de pronunciarla, sin embargo la palabra aparece en realidad en la película, es pronunciada por el teniente en una de sus rápidas críticas a Slater.

- Durante el rodaje de la película, Arnold Schwarzenegger dio una entrevista en el set de rodaje a Dagmar Koller, una famosa estrella musical austriaca, para un programa de televisión austriaco. Después de la entrevista, Schwarzenegger la invitó a aparecer en la película. Se la puede ver en el cuartel de la policía mientras Danny habla con ella.

Stallone como protagonista de Terminator 2- Cuando Slater y Danny están en el videoclub, se pueden ver las cintas de "Jungla de cristal" (1988), "La caza del Octubre Rojo" (1990) y "Los últimos días del Edén" (1992), todas dirigidas por John McTiernan.

- En la misma escena, Danny y Slater buscan en la sección de acción del videoclub para encontrar una película de "Schwarzenegger", Danny se sorprende cuando ve que el cartel de "Terminator 2" tiene como protagonista a Sylvester Stallone y que aparentemente las películas de Schwarzenegger no existen. Sin embargo, mientras Jack habla con Danny para comentarle sobre el buen trabajo de Stallone, en la estantería se puede ver una cinta VHS de la película "Ejecutor" (1986), con la cara de Schwarzenegger destacando en la portada.

- Mientras Danny está en la película de Slater, dice que John Practice (F. Murray Abraham) mató a Mozart, una referencia a la película "Amadeus" (1984), donde Abraham interpretó a Antonio Salieri. Más adelante, cuando Slater y la madre de Danny están hablando, se puede escuchar la obertura de "Las bodas de Fígaro", compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart. No es el único guiño a la música clásica. El nombre del jefe mafioso Tony Vivaldi es una parodia del famoso compositor clásico Antonio Vivaldi.

- En el film se pueden ver varios errores de continuidad que llaman la atención, sin embargo son todos intencionados, como parte de la parodia sobre el cine de acción. En 1993 la revista Premiere publicó un artículo en el que se indicaba que la película tenía en total 200 errores intencionados.

- Como última curiosidad para los amantes de las cifras, el número total de cadáveres que deja Slater durante la película son 83.

Póster película El último gran héroe


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Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe

Las fotografías de las pruebas de vestuario de cada película son fundamentales para los realizadores y diseñadores con el fin de obtener una imagen clara de cómo aparecerán en pantalla los vestidos, los colores, las telas, o los diferentes estilos de cabello y maquillaje.

Al realizarse en un ambiente algo más distendido que en el propio rodaje, estas fotografías muestran en ocasiones una imagen diferente y despreocupado de la estrella. Cuando se trata de un icono del cine como Marilyn Monroe, las pruebas de vestuario de la actriz para los diferentes personajes que interpretó durante su carrera, gozan además del encanto especial que siempre acompañó a Marilyn.

Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Billete a Tomahawk (A Ticket to Tomahawk), 1950


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Billete a Tomahawk (A Ticket to Tomahawk), 1950


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Eva al desnudo (All About Eve), 1950


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
As Young as You Feel, 1951


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
As Young as You Feel, 1951


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Memorias de un Don Juan (Love Nest), 1951


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Memorias de un Don Juan (Love Nest), 1951


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Memorias de un Don Juan (Love Nest), 1951


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Divorciémonos (Let's Make It Legal), 1951


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Divorciémonos (Let's Make It Legal), 1951


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Encuentro en la noche (Clash by Night), 1952


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
No estamos casados (We're Not Married!), 1952


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
No estamos casados (We're Not Married!), 1952


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
No estamos casados (We're Not Married!), 1952


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Niebla en el alma (Don't Bother to Knock), 1952


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Niebla en el alma (Don't Bother to Knock), 1952


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Niebla en el alma (Don't Bother to Knock), 1952


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Me siento rejuvenecer (Monkey Business), 1952


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Niágara (1953)


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Niágara (1953)


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Niágara (1953)


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Niágara (1953)


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Los caballeros las prefieren rubias (Gentlemen Prefer Blondes), 1953


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Los caballeros las prefieren rubias (Gentlemen Prefer Blondes), 1953


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Los caballeros las prefieren rubias (Gentlemen Prefer Blondes), 1953


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Cómo casarse con un millonario (How to Marry a Millionaire), 1953


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Cómo casarse con un millonario (How to Marry a Millionaire), 1953


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Cómo casarse con un millonario (How to Marry a Millionaire), 1953


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Cómo casarse con un millonario (How to Marry a Millionaire), 1953


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Cómo casarse con un millonario (How to Marry a Millionaire), 1953


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Río sin retorno (River of No Return), 1954


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Río sin retorno (River of No Return), 1954


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Río sin retorno (River of No Return), 1954


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Luces de candilejas (There´s No Business Like Show Business), 1954


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Luces de candilejas (There´s No Business Like Show Business), 1954


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Luces de candilejas (There´s No Business Like Show Business), 1954


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
La tentación vive arriba (The Seven Year Itch), 1955


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
La tentación vive arriba (The Seven Year Itch), 1955


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
La tentación vive arriba (The Seven Year Itch), 1955


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
La tentación vive arriba (The Seven Year Itch), 1955


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Bus Stop (1956)


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Bus Stop (1956)


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
El príncipe y la corista (The Prince and the Showgirl), 1957


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Con faldas y a lo loco (Some Like It Hot), 1959


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Con faldas y a lo loco (Some Like It Hot), 1959


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Con faldas y a lo loco (Some Like It Hot), 1959


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
El multimillonario (Let's Make Love), 1960


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
El multimillonario (Let's Make Love), 1960


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
El multimillonario (Let's Make Love), 1960


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Vidas rebeldes (The Misfits), 1961


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Vidas rebeldes (The Misfits), 1961


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Vidas rebeldes (The Misfits), 1961


Las pruebas de vestuario de Marilyn Monroe
Something's Got to Give (1962)

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