Un padre en apuros, rodaje y curiosidades

Un padre en apuros (Jingle All the Way) es una comedia familiar navideña dirigida por Brian Levant, protagonizada por Arnold Schwarzenegger y Sinbad en los papeles principales, y estrenada en cines en 1996. 

El argumento de la película (una idea basada en parte en hechos reales) se sitúa en Minnesota y tiene como protagonista a Howard Langston (Arnold Schwarzenegger), un vendedor adicto al trabajo que rara vez encuentra tiempo para su esposa Liz y su hijo de seis años Jamie. Tras perderse la graduación de la clase de kárate de Jamie, Howard decide redimirse cumpliendo el deseo navideño de su hijo: tener una figura de acción de TurboMan, un popular superhéroe de televisión. 

Al llegar Nochebuena, Howard se propone comprar el juguete, pero descubre que está agotado en todas las tiendas y, en su búsqueda, acabará enfrentándose a Myron Larabee (Sinbad), un padre que trabaja en el servicio postal y que se ha marcado el mismo objetivo de encontrar el deseado juguete Turbo Man para su hijo. 

Con un presupuesto en torno a los 70 millones de dólares, la película Un padre en apuros recibió duras críticas tras su estreno en cines en noviembre de 1996, pero gozó del favor del público y fue un éxito comercial que recaudó en taquilla 130 millones de dólares. Sin embargo, su gran desempeño en taquilla quedó ensombrecido poco después por una demanda millonaria por plagio.

Rodaje y curiosidades de Un padre en apuros (Jingle All the Way)

La idea de la película se inspiró en la gran demanda de juguetes navideños en Estados Unidos durante las décadas de los 80 y los 90, y en concreto, en populares juguetes como las muñecas Cabbage Patch Kids (Muñecas Repollo) o el variado merchandising de los Mighty Morphin Power Rangers. 

En algunos casos, la intensa demanda de estos juguetes en épocas navideñas llegó a terminar en brotes de violencia ocasional entre los compradores, como los denominados "disturbios de las Cabbage Patch" que se produjeron a finales de 1983, donde hubo peleas y ataques violentos entre los clientes (se reportaron incluso ataques con bates de béisbol) en tiendas de todo Estados Unidos para hacerse con una de estas muñecas como regalo navideño.  

Junto a estos sucesos, Randy Kornfield escribió el guion original de la película tras ver el tumulto y posterior caos que se formó en una juguetería de Santa Mónica cuando acompañó a sus suegros para comprar un muñeco de los Power Rangers. El guion sufriría sin embargo alguna modificación poco después.  

En 1995, Chris Columbus, uno de los productores del film, experimentó una situación similar cuando intentó comprar una figura de acción de Buzz Lightyear, uno de los personajes protagonistas de la película Toy Story. Columbus reescribió el guion añadiendo elementos de sátira a la película sobre la comercialización de la Navidad, lo envió a los estudios 20th Century Fox y el proyecto fue finalmente aceptado para entrar en producción. 

Se contrató como director de la película a Brian Levant, quien ya tenía experiencia con otras exitosas comedias familiares anteriores como "Beethoven" (1992) y especialmente con "Los Picapiedra" (1994). 

La elección de Arnold Schwarzenegger para interpretar el papel protagonista de Howard Langston fue también bastante rápida. Era la cuarta comedia en la que participaba y al actor le gustó en seguida el papel, confesando que era un habitual de hacer las compras navideñas a última hora. En todo caso, los 20 millones de dólares que recibió como salario probablemente influyeran en que aceptara tan rápido el papel. 

Algo más compleja fue la elección de Sinbad para encarnar a Myron Larabee, el "villano" del film. La idea original era que el personaje lo interpretara Joe Pesci, pero fue descartado debido a la gran diferencia de tamaño respecto a Schwarzenegger, a pesar de que el actor ya había protagonizado en 1988 la exitosa comedia "Los gemelos golpean dos veces" (Twins) junto a Danny DeVito, quien de hecho era más bajo que Pesci. 

Fue el propio agente de Schwarzenegger quien recomendó a Sinbad para el papel, tanto por su faceta cómica, como por el hecho de que tenía una altura y tamaño similar. Al parecer, la audición que realizó Sinbad fue bastante desastrosa, pero fue finalmente contratado para la película, formando con Schwarzenegger un dúo que funcionó a la perfección y donde Sinbad improvisó gran parte de sus líneas durante los diálogos, mientras que Arnold hacía lo propio con las respuestas. 

El resto del reparto principal lo completaron la actriz Rita Wilson en el papel de Liz, la esposa de Howard; Phil Hartman como Ted, el vecino de Howard; y Jake Lloyd como el hijo de Howard, un joven actor que poco después se haría mundialmente famoso interpretando a Anakin Skywalker de niño en la película "Star Wars Episodio I: La amenaza fantasma" (1999). 

El rodaje de Un padre en apuros comenzó oficialmente el 15 de abril de 1996 y se alargó hasta agosto, convirtiéndose en la producción cinematográfica más grande jamás realizada en el estado de Minnesota. 

Antes de comenzar el rodaje, el director Brian Levant pasó varias semanas en la zona para buscar localizaciones y preparar la producción. Se decidió utilizar como localización principal de la película el área metropolitana de Twin Cities, que comprende las ciudades de Minneapolis y Saint Paul, si bien en el film se muestra como una única ciudad.

Entre algunas localizaciones concretas de la película, se encuentran el área de 7th Place Mall en Saint Paul, donde la mayoría de las tiendas fueron redecoradas con motivos navideños; el Mall of America, uno de los centros comerciales más grandes y conocidos de Estados Unidos; el popular restaurante Mickey's Dining Car; varias zonas residenciales de la zona, como Linden Hills o Edina; y el centro de las ciudades de Minneapolis y Saint Paul. 

Las diferentes localizaciones también llevó a que se produjeran situaciones curiosas, como la escena en el exterior de la juguetería, que se filmó en el antiguo Palace Theatre, situado en la zona comercial de 7th Place Mall; mientras que la escena a continuación en el interior de la tienda, fue filmada en el Mall of America, situado a 30 kilómetros de distancia.

Por motivos de seguridad, la escena del gran desfile se filmaría en un set de rodaje en los Estudios Universal de Hollywood (California). El desfile original en el que se basa el film, se conoce como "Holidazzle Parade" y hace un recorrido nocturno por la zona de Nicollet Mall (Minneapolis). Se sustituyó el nombre del desfile por el de "Wintertainment Parade" y se decidió, por motivos prácticos, que recorrería de día la Segunda Avenida de la ciudad. 

Se construyó pues un decorado en los estudios de California diseñado para imitar la Segunda Avenida de Minneapolis y se filmó la escena desde el aire con helicópteros. Posteriormente se añadieron a la secuencia varias tomas reales de la calle. Se necesitaron casi tres semanas para grabar la escena completa del desfile, así como 1.500 extras y tres carrozas que se diseñaron exclusivamente para esta secuencia. 

También se filmaron algunas escenas en otras localizaciones de Los Ángeles, como el interior de varias tiendas o la escena de la pelea entre Howard y los Santa Claus "malvados", para la cual se utilizó un almacén de muebles situado en Pasadena. 

El gigantesco Santa Claus que se encara con Howard durante la escena lo interpretó Paul Wight, un actor y luchador profesional que posteriormente tendría una larga y fructífera carrera en el wrestling con el apodo de "Big Show", uno de los luchadores más altos en la historia de la WWE. 

El superhéroe Turbo Man (cuyo nombre inicialmente iba a ser Turbo Tom) fue un personaje creado y diseñado específicamente para la película, si bien está basado en gran parte en The Flash, el superhéroe de DC Comics. Esto implicó no solo diseñar y construir a medida todos los muñecos, productos y accesorios correspondientes, sino que el propio director Brian Levant tuvo también que filmar los anuncios publicitarios y escenas de la serie de televisión Turbo Man que se ven en la película. 

Además, también se diseñaron otros personajes ficticios como Booster y Dementor, y se construyó un traje de Turbo Man a tamaño completo para que lo utilizara Schwarzenegger en las escenas finales.

Para los amantes de los Huevos de Pascua de películas, en el film se pueden encontrar un par de ellos bastante curiosos. El más evidente se produce en la escena en la que Howard noquea a un reno de un puñetazo. Esta secuencia se incluyó como un guiño a la conocida escena de "Conan el Bárbaro" (1982) en la que Schwarzenegger le da un puñetazo en la cara a un camello. 

El segundo es realmente difícil de encontrar y tiene lugar en la escena en la que llevan a Howard a casa en una grúa. La conductora de la grúa es la actriz Marianne Muellerleile, quien interpretó en la película "Terminator" (1984) a la Sarah Connor que el Terminator mata por error creyendo que es la persona que busca. 

Con un coste final de producción que se estimó en 70 millones de dólares, la promoción y comercialización de la película se basó principalmente en la fabricación de 200.000 muñecos Turbo Man, que se vendieron a un precio de 25 dólares en Estados Unidos, y un vehículo Turbo Man Time Racer que se vendió exclusivamente en la costa oeste del país. 

El estreno mundial de la película Un padre en apuros se realizó el 16 de noviembre de 1996 en el centro comercial Mall of America, celebrando un evento por todo alto para la ocasión. Poco después se estrenaría en los cines de todo el mundo y se convertiría en un gran éxito de taquilla, a pesar de las malas críticas recibidas, que recaudó 130 millones de dólares en cines. 

Apenas dos años después del estreno del film, la compañía Murray Hill Publishing demandó a 20th Century Fox en 1998 por 150.000 dólares, alegando que la idea de la película fue robada de un guion titulado "Could This Be Christmas?", escrito por un profesor de secundaria llamado Brian Webster y del que Murray Hill era la empresa propietaria de los derechos.

En la demanda, adujeron que el guion original tenía hasta 36 similitudes con la película Jingle All the Way, incluida la trama, el diálogo y los nombres de los personajes. El presidente de Murray Hill, Bob Laurel, había comprado el guion a Webster en 1993 y se lo envió tanto a 20th Century Fox como a otros estudios, pero nunca llegó a recibir respuesta. 

Se acusó directamente a Randy Kornfield de haber plagiado el guion, ya que al parecer su trabajo por entonces era precisamente leer los guiones que recibían los Estudios Fox. Tras un largo proceso, 20th Century Fox fue declarada culpable en el año 2001 de robar la idea y se le condenó a pagar 19 millones de dólares (15 millones de dólares en daños y 4 millones de dólares en costas legales) a la compañía Murray Hill, de la que Webster recibiría una parte de la indemnización. 

Bob Laurel, presidente de la empresa, nunca llegó a ver el dinero debido a que murió unos meses después del veredicto, pero en todo caso, en la apelación del juicio se redujo la cifra de daños y perjuicios a 1,5 millones de dólares. Finalmente, el veredicto fue anulado en 2004, después de que un juez sentenció que la idea no era robada, alegando que 20th Century Fox había comprado el guion de Kornfield antes de que él o cualquier otra persona en lo Estudios hubieran podido leer el guion "Could This Be Christmas?".

Al margen de sus problemas legales y tras su paso por cines, en octubre de 1997 se lanzó la película en VHS al mercado doméstico, donde también obtuvo muy buenas cifras de ventas. La última versión del film se lanzó en el año 2008 en DVD y Blu-Ray con el nombre de "Family Fun Edition" (disponible en Amazon), e incluye una versión extendida del director con varios minutos de metraje adicional, así como un reportaje detrás de las cámaras sobre el rodaje de la película. 

Al final de la película se incluyó una escena post-créditos en la que podemos ver a Liz, la esposa de Howard, preguntándole por su regalo navideño. La secuencia se incluyó con la idea de dejar un final preparado para un posible secuela. Esta secuela con los personajes originales no se llegó a realizar nunca, y en su lugar se estrenó en 2014 la película "Jingle All the Way 2" (Otro padre en apuros), una coproducción de 20th Century Fox y WWE Studios que recibió unas críticas terribles y fue lanzada directamente al mercado doméstico sin pasar por los cines.

Como última curiosidad, el estreno en cines de la película Un padre en apuros acabó coincidiendo irónicamente con la locura que se desató en las navidades de 1996 por comprar un muñeco Tickle Me Elmo (un popular personaje de Barrio Sésamo), con varias personas heridas por un estampida en un centro comercial tras intentar hacerse con una caja antes de que se colocara en la estantería, y dos mujeres arrestadas en Chicago por pelearse por conseguir el muñeco. 

El set de rodaje más grande de la historia, construido en Madrid para "La caída del Imperio Romano" (1964)

Estrenada en cines en 1964, la película La caída del Imperio Romano (The Fall of the Roman Empire) es una superproducción épica de Hollywood que contó con un enorme presupuesto de 16 millones de dólares. A pesar de su grandiosidad, el film fue un fracaso comercial, pero dejó para la posteridad un récord que aún no se ha superado, la construcción del decorado o set de rodaje más grande de la historia, con una gigantesca réplica a escala del antiguo Foro Romano, el cual fue construido en las afueras de Madrid.

Tras terminar el rodaje de la película El Cid en 1961 (filmada principalmente en España), el director Anthony Mann planteó al productor Samuel Bronston el siguiente ambicioso proyecto que tenía en mente, una gran historia épica sobre la caída del Imperio Romano. 

A Bronston le entusiasmó tanto la idea, que poco después anunció oficialmente a la prensa que se iba a poner en marcha una trilogía de películas históricas filmadas en España, protagonizadas por Charlton Heston y dirigidas por Anthony Mann, con La caída del Imperio Romano como la primera de ellas.

Curiosamente, en su comunicado ante la prensa, el productor también anunció que descartaba filmar en la ciudad de Roma, ya que consideraba que la capital de Italia había cambiado tanto que ya no le servía para representar fielmente la caída del Imperio Romano. Según sus propias palabras "construiremos nuestra propia Roma en Madrid". 

La elección de Bronston tampoco sorprendió a nadie en realidad. Además de su buena experiencia anterior con la filmación de "El Cid", la península ibérica se había convertido por aquellos años en un lugar muy solicitado por los estudios de cine de Hollywood para todo tipo de localizaciones. 

Como resultado, en España ese rodaron varios clásicos de Hollywood durante los años 60, incluyendo diversas superproducciones y conocidas películas que ya forman parte fundamental de la historia del cine, como "Espartaco" (1960), "55 Días en Pekín" (1962), "Lawrence de Arabia" (1962), "Cleopatra" (1963), "Doctor Zhivago" (1965) o "El bueno, el feo y el malo" (1966).

Se estableció pues febrero de 1962 como la fecha inicial para comenzar el rodaje de La caída del Imperio Romano, encargando la construcción en Madrid de los gigantescos decorados bajo la supervisión de Veniero Colasanti y John Moore, ganadores del Oscar a la Mejor dirección artística por "El Cid".  

Sin embargo, antes de comenzar la filmación surgió el primer gran contratiempo. A Charlton Heston no le gustó el guion de Philip Yordan, a pesar de haber sido escrito expresamente para que el actor interpretara el papel principal de Marco Aurelio, y comunicó al productor que no estaba interesado en protagonizar la película. 

Hubo que buscar por tanto un reemplazo rápidamente y se ofreció el papel a Kirk Douglas, otra de las grandes estrellas de Hollywood de la época, quien también lo rechazó. A pesar de estos contratiempos y un difícil proceso de casting, la película La caída del Imperio Romano finalmente contaría con excelente reparto, con Sofia Loren en el papel de Lucila, Stephen Boyd como Livio, Christopher Plummer en el papel de Cómodo, y con el actor británico Alec Guinness interpretando el personaje de Marco Aurelio. 

La acumulación de retrasos por diversos motivos, llevó a que no se comenzara la construcción del gran set del Foro Romano en Madrid hasta octubre de 1962, mientras que el comienzo oficial del rodaje se inició finalmente el 14 de enero de 1963.

El film La caída del Imperio Romano se rodó casi en su totalidad en España, con algunas escenas concretas en localizaciones de Valencia o Segovia, si bien la mayor parte del rodaje se realizó en Madrid, en lugares como Las Matas, Las Rozas, Manzanares el Real, la Sierra de Guadarrama o el Embalse de Santillana.

Las escenas del campamento de invierno de Marco Aurelio en el Danubio, se filmaron en la nieve de la Sierra de Guadarrama, en el norte de Madrid, no sin problemas en muchos casos, ya que al mes siguiente de comenzar la filmación hubo que suspender el rodaje en la zona debido a una fuerte tormenta de nieve.

Productor y director querían una película épica y grandiosa en todos los sentidos, y buen ejemplo de ello fue la secuencia de la "Batalla de los Cuatro Ejércitos", la cual involucró a 8.000 soldados, incluidos 1.200 de caballería, que fue rodada en una de las llanuras de Manzanares el Real, lo que permitía que un gran número de soldados fueran visibles a gran distancia. 

Las escenas interiores de la película se rodaron también en Madrid, en los estudios Samuel Bronston (anteriormente conocidos como estudios Chamartín) y en los estudios Cinecittà de Roma, donde se construyeron los baños y gimnasios de Cómodo. El motivo por el que se filmó una pequeña parte de la producción en Italia es que de esta forma podían optar a las subvenciones gubernamentales para el cine.

La filmación avanzó a buen ritmo, pero aún faltaban algunas de las escenas más importantes y en las que se había invertido buena parte de los 16 millones de presupuesto de la película, las secuencias del Foro Romano. 

Veniero Colasanti y John Moore ejercieron como directores artísticos y supervisaron todo el diseño de producción, con el historiador Will Durant como asesor para la película. La construcción de los enormes decorados comenzó el 1 de octubre de 1962 y participaron en ella más de 1.100 personas, quienes tardaron varios meses en finalizar el trabajo. Además, cerca de 400 estudiantes de arte y artesanos de toda España trabajaron también por su parte en las estatuas, azulejos, frescos y detalles del decorado. 

La reconstrucción cinematográfica del Foro Romano, casi a escala real, se construyó en Las Matas, en las afueras de Madrid. El gigantesco set de rodaje tenía unas dimensiones de 400 metros de largo y 230 metros de ancho, ocupando en total una superficie de 92.000 metros cuadrados, lo que ostenta el récord del set de filmación al aire libre más grande de la historia. Un hito que aún no ha sido superado, tal y como lo reconoce el Libro Guinness de los Récords (Largest Set for a Film).

Para ahorrar costes, en aquella época era muy habitual que únicamente se construyera una parte del set donde se desarrolla la acción, utilizando para ello diversas técnicas, como el uso de pinturas mate para crear una sensación de amplitud con los fondos del decorado. Un efecto habitual que se puede ver en muchas películas épicas y en los clásicos del cine Péplum. 

Sin embargo, para La caída del Imperio Romano se rechazó esta alternativa y se decidió construir casi todos lo edificios y templos que debían aparecer en la película, con el Foro Romano como el decorado más grande y representativo de todos. 

También se construyó el Templo de Júpiter en una colina de 29 metros de altura en las llanuras de Las Matas, donde se levantó un enorme templo de 50 metros. El templo contaba además con varias figuras ecuestres de bronce de 7,6 metros de altura, situadas en la parte superior del templo, aunque solo eran una pequeña parte de las 350 estatuas que se construyeron en total. 

De ellas, 76 estatuas eran tamaño natural, que se sumaron a las más de mil bases esculpidas para las figuras restantes, así como varias columnas de la victoria para ambientar el conjunto a la perfección y de la manera más fiel posible.

Se dibujaron más de 3.000 bocetos para ilustrar las 27 estructuras que conformaron los decorados, y los diversos entornos y decorados que representaban la antigua Roma para la película cubrían en total una impresionante superficie de 22 hectáreas. 

Todo ello llevó a que se superara ampliamente el presupuesto inicial de 16 millones de dólares que se había establecido para la producción y, aunque no existen cifras oficiales al respecto, al parecer el coste final de La caída del Imperio Romano estuvo finalmente en torno a los 18,5 millones de dólares (algunas fuentes señalan que el coste pudo alcanzar los 20 millones). 

Si bien es cierto que buena parte del presupuesto se invirtió en la construcción de los decorados, los sueldos de los actores supusieron al final un considerable desembolso. El único salario que se hizo público fue el de Sofia Loren, quien recibió un millón de dólares por protagonizar el film, sin embargo Kirk Douglas hizo público años después que le habían ofrecido 1,5 millones de dólares por interpretar a Marco Aurelio. 

La caída del Imperio Romano se estrenó simultáneamente en los cines de Estados Unidos y Reino Unido en marzo de 1964. Aunque dividas, el film no recibió en general mala críticas, e incluso fue nominada al Oscar por la Mejor banda sonora, por lo que las expectativas que generó fueron bastante altas, especialmente dado su elevado coste. Pero lo cierto es que fue, contra todo pronóstico, un considerable fracaso comercial que apenas logró recaudar 5 millones de dólares en taquilla.

Los posteriores lanzamientos en el mercado doméstico años después ayudaron también a maquillar ligeramente el estrepitoso fracaso financiero. Tras una edición en LaserDisc, otra en Super 8, en VHS y una edición limitada en DVD, la última versión de la película se lanzó en Blu-Ray en el año 2011 (disponible en Amazon), incluyendo bastante material adicional, curiosidades, imágenes del rodaje, así como un documental sobre "cómo se hizo" la película. 

En cuanto al destino del espectacular Foro Romano levantado para la ocasión, la mayor parte de los inmensos y costosos decorados que se habían construido para la película acabaron siendo derribados y destruidos. Solo unas pocas secciones se salvaron para ser reutilizadas en la película "Golfus de Roma" (A Funny Thing Happened on the Way to the Forum) en 1966.

Como curiosidad final, la misma localización de Las Matas donde se construyó el set de filmación más grande la historia, fue también el lugar elegido para ambientar "La ciudad prohibida", un decorado utilizado para el rodaje de la película "55 Días en Pekín", el film protagonizado por Charlton Heston y por el que el actor había rechazado participar en La caída del Imperio Romano. 

Aquí puedes ver además una colección de fotografías detrás de la cámaras con imágenes del rodaje en España de la película La caída del Imperio Romano: 

Curiosidades de La isla de las cabezas cortadas, la película que llevó a la productora Carolco a la ruina

La isla de las cabezas cortadas (Cutthroat Island) es una película de piratas y aventuras, dirigida por Renny Harlin, protagonizada por Geena Davis, Matthew Modine y Frank Langella en los papeles principales, y estrenada en cines en 1995.

Ambientada a mediados del siglo XVII, la historia tiene como protagonista principal a Morgan Adams (Geena Davis), quien se acaba de convertir en la capitana pirata del barco Morning Star (El Lucero del Alba), tras la muerte de su padre. 

Morgan quiere encontrar los tres trozos que forman el mapa de un fabuloso tesoro, pero para lograrlo necesitará la ayuda de un experto ladrón que habla latín llamado William Shaw (Matthew Modine), afrontar multitud de peligros en su aventura y enfrentarse a su cruel tío Dawg Brown (Frank Langella).

Tras un rodaje lleno de problemas, con constantes cambios en el guion, el coste final de la producción fue de aproximadamente 95 millones de dólares, sin embargo, la película La isla de las cabezas cortadas fue un estrepitoso fracaso de crítica y público, recaudando apenas 10 millones de dólares en cines. Esto llevó a que el film fuera incluido en el Libro Guinness de los Récords como "el mayor desastre en taquilla de todos los tiempos". 

Incapaz de asumir las enormes pérdidas, Carolco Pictures, una de la productoras más importantes de Hollywood en la época, acabó quebrando poco después. El género de las películas de piratas sufrió además un parón debido a este inesperado fracaso, y no se volvería a apostar por él hasta casi una década después, con el estreno de la primera película de la saga "Piratas del Caribe" en 2003. 

La isla de las cabezas cortadas, rodaje y curiosidades

La historia de la película está acreditada originalmente a los guionistas Michael Frost Beckner, James Gorman, Bruce A. Evans y Raynold Gideon, adaptada posteriormente por Robert King, Marc Norman y el propio director Renny Harlin, aunque es realmente difícil distinguir la participación de cada uno y qué se mantuvo de la historia original, ya que durante la producción se hicieron multitud de reescrituras del guion sobre la marcha.

El film es una coproducción estadounidense, alemana, francesa e italiana, con Carolco Pictures como la productora principal. Carolco había comenzado muy bien la década de 1990, con considerables éxitos en taquilla gracias a películas como "Desafío Total" (1990), "Terminator 2: El juicio final" (1991) o "Instinto Básico" (1992).

Sin embargo, una serie de malas decisiones financieras, el elevado sueldo que pagaba a sus estrellas y las costosas cancelaciones de proyectos en marcha, como una superproducción sobre Spider-Man que iba a dirigir James Cameron y que acabó en los tribunales, llevó a que la productora ya estuviera profundamente endeudada antes de que Cutthroat Island entrara en preproducción.

Carolco apostó todo a este proyecto para recuperarse económicamente, y para ello otorgó a la película un presupuesto inicial de 60 millones dólares. Para poder financiar La isla de las cabezas cortadas tuvo que cancelar el único film que en ese momento estaba en producción, una película protagonizada por Arnold Schwarzenegger titulada "Crusade", y en la que ya llevaba gastados 13 millones de dólares. 

Tras contratar a Renny Harlin como director del film, Harlin consiguió convencer al productor Mario Kassar (fundador de Carolco Pictures) de que fuera Geena Davis, la esposa de Harlin en ese momento, quien protagonizara la película interpretando al personaje de la capitana Morgan Adams. 

La actriz era conocida por haber participado hasta entonces en varias comedias como "Tootsie" (1982), "Beetlejuice" (1988) o "Thelma & Louise" (1991), pero el objetivo del director era que la actriz diera un salto en su carrera para convertirse en la estrella protagonista de películas de acción y aventuras. 

Elegir (o más bien designar a dedo) a la protagonista femenina principal fue rápido, pero el proceso de casting para el papel principal masculino, el personaje de William Shaw, fue justo lo contrario. 

Se llegó a un acuerdo con Michael Douglas para interpretar a Shaw, si bien el actor impuso dos condiciones para aceptar el papel: que el rodaje comenzara de inmediato, ya que tenía firmados también otros proyectos y su tiempo era limitado; y que su personaje gozara del mismo tiempo en pantalla que el de Morgan Adams, el papel que interpretaba Geena Davis. 

En cuanto Douglas vio las reescrituras del guion y que su personaje perdía minutos en el metraje en favor del de Davis, decidió retirarse del proyecto. Al enterarse de la noticia, la actriz también quiso abandonar el proyecto, pero a diferencia de Douglas, ella ya estaba obligada por contrato a terminar la película, de manera que finalmente se mantuvo como la protagonista principal.

La lista de actores con los que tuvo contacto Harlin para encontrar su protagonista principal masculino fue considerable. Entre ellos, se entrevistó con actores como Tom Cruise, Russell Crowe, Keanu Reeves, Liam Neeson, Jeff Bridges, Charlie Sheen, Michael Keaton o Tim Robbins, pero todos ellos rechazaron el papel. 

El elegido para el papel fue finalmente Matthew Modine, un actor que estaba lejos de la popularidad del resto de estrellas de Hollywood que se habían tanteado, pero que gracias a sus conocimientos de esgrima fue considerado idóneo para el personaje. 

Cuando el reparto ya estaba completo, se produjo otro pequeño percance con el personaje de Mordechai. Se había contratado a Oliver Reed para este pequeño papel, pero al parecer el actor bebió más de la cuenta durante una noche que el equipo se reunió en un bar, llegando a hacer insinuaciones a Geena Davis. La situación acabó en una pelea y el actor despedido al día siguiente, contratándose a George Murcell en su lugar. 

Cuando aún no se había empezado a rodar, Harlin se dio cuenta de que había dedicado tanto tiempo a tratar de encontrar un protagonista masculino y finalizar el proceso de casting, que no prestó la debida atención a la construcción de los escenarios. Además, gran parte del guion se realizó sin su participación. 

El productor Mario Kassar, había comenzado por su cuenta a construir en Malta parte de los decorados y los barcos para ahorrar tiempo, pero Harlin rechazó casi todo al llegar. Como consecuencia, el director exigió que se hicieran profundos cambios antes de empezar la filmación, lo que llevó a una costosa reconstrucción y a una nueva reescritura del guion.

El rodaje de La isla de las cabezas cortadas comenzó oficialmente el 31 de octubre de 1994, con varias semanas de retraso respecto a la fecha prevista y con un presupuesto que ya se había descontrolado antes de siquiera comenzar a grabar. La filmación estuvo además plagada de problemas y contratiempos, lo que provocó que no se finalizara el rodaje hasta abril de 1995, un plazo al que había que sumar posteriormente el proceso de post-producción. 

La película se rodó en diversas locaciones de Malta y Tailandia; mientras que la escenas interiores se rodaron en los Mediterranean Film Studios, situados en Kalkara (Malta) y en los Estudios Pinewood de Buckinghamshire (Inglaterra), donde se había construido un enorme tanque de agua para las escenas marítimas. 

Al poco de comenzar el rodaje, el director despidió a Nicola Pecorini, el operador jefe de cámara, por una disputa. El problema podría haber sido resulto relativamente rápido, pero casi dos docenas de miembros del equipo se solidarizaron con Pecorini y presentaron su dimisión. 

A ello se sumó el accidente que sufrió Oliver Wood, el director de fotografía de la película, quien se rompió una pierna en la primera semana de rodaje tras caerse en uno de los tanques de agua desde una grúa, por lo que tuvo que ser reemplazado por Peter Levy. 

Los tanques de agua fueron además un constante quebradero de cabeza durante toda la producción. Para añadir más problemas a la filmación, unas tuberías rotas provocaron que se vertieran aguas residuales en el tanque donde debían nadar los actores, lo que causó más retrasos y otro coste añadido al ya descontrolado presupuesto. 

Harlin y Davis contribuyeron también bastante por su parte a que los costes de producción se dispararan. El director insistía en grabar todas las escenas con tres cámaras a la vez, lo que suponía un gasto adicional; y después del estreno se conoció que la pareja se había gastado considerables sumas de dinero en diversos caprichos, como importar varias cajas de un costoso zumo de vegetales al set de rodaje en Malta. 

La situación económica de la película comenzaba a ser tan precaria, que el propio Harlin tuvo que aportar un millón de dólares de su bolsillo para poder realizar algunos cambios en el guion, ya que la deuda de Carolco era tan inasumible que no podía permitirse aportar más dinero. 

En un intento desesperado de ahorrar costes, el director pidió a los actores que realizaran sus propias acrobacias, siempre que fuera posible, para evitar así contratar a dobles de acción. Esto llevó a que se produjeran también varios accidentes, como el que sufrió Geena Davis en la escena en la que salta por una ventana, rueda por el techo y acaba cayendo debajo de un carruaje. 

La actriz no sufrió lesiones graves y la secuencia (que en realidad se rodó en dos tomas), no solo se dejó en el metraje final, sino que se aprovechó como una forma de promoción para la película, con Davis apareciendo en las entrevistas promocionales narrando una y otra vez la escena. 

Otro incidente similar le ocurrió a Matthew Modine. El actor sufrió un fuerte golpe en la cabeza tras caerle un barril encima en la escena de huida de la taberna, una secuencia que se puede ver en la película ya que también se mantuvo en el metraje final. 

Por otra parte, la banda sonora de la película, compuesta por John Debney e interpretada por la Orquesta Sinfónica de Londres, fue uno de los pocos aspectos de la película que fueron aclamados por la crítica tras el estreno en cines. 

El coste final de La isla de las cabezas cortadas se estimó entre 92 y 98 millones de dólares, aunque algunas fuentes señalan que la producción probablemente superó los 100 millones dólares. En cualquier caso, tras hacer su debut en los cines de Estados Unidos el 22 de diciembre de 1995, las críticas a la película fueron terribles, lo que sin duda influyó en que apenas recaudara 10 millones de dólares en taquilla. Tampoco ayudó la mala situación económica de Carolco Pictures y de MGM (distribuidora del film), ya que no se pudieron permitir financiar una buena campaña de marketing. 

El fracaso comercial fue de tal magnitud, que el Libro Guinness de los Récords la catalogó como "el mayor fracaso de taquilla de todos los tiempos". De hecho, el film sigue estando en el Top 5 de las películas que mayores pérdidas de dinero han causado, aunque las posiciones en este ranking varían constantemente debido a que las cifras se calculan ajustando la inflación. 

Incapaz de afrontar la situación económica, la productora Carolco Pictures ya se había declarado en quiebra incluso antes del estreno del film, se acogió a la ley de bancarrota y todos sus activos fueron vendidos finalmente a Canal+ por 58 millones de dólares. 

Al margen de todos los problemas que tuvo la producción, también se ha intentado explicar el fracaso comercial de la película en retrospectiva. El film no gozó del favor del público en taquilla en su momento, pero tuvo por ejemplo un aceptable desempeño en el mercado doméstico (actualmente disponible en Blu-Ray), y los cierto es que las críticas a la película han mejorado con el paso del tiempo en los diversos portales de Internet.  

Para la mayoría de expertos en cine, el hándicap principal de Cutthroat Island es que fue un intento de rememorar las clásicas películas de piratas y aventuras realizado en el peor momento posible, cuando el género se consideraba "pasado de moda". A ello se sumó que en realidad el género de piratas nunca tuvo realmente un buen desempeño en taquilla (salvo contadas excepciones).

Contra todo pronóstico, cuando parecía que ningún estudio apostaría ya por este tipo de películas y que el género había muerto definitivamente, Walt Disney Pictures estrenó en el verano de 2003 "Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra", una superproducción de 140 millones de dólares que arrasó en taquilla y fue el origen de la saga de películas de piratas más exitosa de la historia. 

Curiosidades de 1990: Los guerreros del Bronx

1990: Los guerreros del Bronx (1990: I guerrieri del Bronx) es una curiosa película italiana de acción, cuya historia está ambientada en una distópica ciudad de Nueva York del año 1990, dirigida por Enzo G. Castellari y estrenada en cines en 1982. 

En el año 1990, el Bronx es declarado oficialmente Tierra de Nadie. Las autoridades abandonan todos los intentos de restaurar la ley y el orden. A partir de entonces la zona es gobernada por los Riders. 

Con esta contundente introducción, la trama de la película da comienzo cuando Ann (Stefania Girolami), la joven y única heredera de la Manhattan Corporation, decide huir y esconderse en la tierra sin ley del Bronx. Allí es atacada por los Zombies, una banda de patinadores, pero Ann es salvada por varios miembros de la banda de los Raiders, entre los que se encuentra su líder Trash (Mark Gregory), quien toma a Ann bajo su protección.

Considerada habitualmente una película de Serie B por su bajo presupuesto, y a pesar de las malas críticas recibidas tras su estreno en cines, 1990: Los guerreros del Bronx obtuvo un buen éxito en taquilla, pero fue la gran acogida entre el público lo que elevó el film al estatus de película de culto. Además, la película daría lugar a una secuela directa y a otra película similar del mismo director, formando una peculiar trilogía llena de bandas callejeras, zonas sin ley y escenario postapocalípticos.  

Rodaje y curiosidades de 1990: Los guerreros del Bronx

Según contó el propio Fabrizio De Angelis, productor principal del film, la idea de la película le surgió durante un viaje a Nueva York. Al parecer, el productor se despistó viajando en el metro de la ciudad, y en lugar de bajarse en la parada cerca de su hotel en Manhattan, acabó en el sur del Bronx, una zona de la ciudad particularmente peligrosa y deteriorada en aquellos años. 

El barrio de South Bronx a principios de los 80 estaba plagado de edificios que habían quedado reducidos a escombros por incendios, gran parte de ellos provocados; y muchas de sus calles eran territorio de pandillas callejeras, además de que era habitual encontrar drogadictos y unos niveles de delincuencia disparados. 

El productor caminó por el barrio y quedó cautivado por la devastación y deterioro que encontró por la calles. Se cruzó con numerosos vagabundos y enfermos desahuciados abandonados a su suerte, e incluso, según afirmó, tuvo que escapar corriendo de una banda de criminales que le intentaron asaltar a punta de navaja. 

Fabrizio De Angelis consiguió llegar finalmente sano y salvo a su hotel en Manhattan, pero su experiencia en el Bronx le marcó tanto que decidió hacer una película ambientada en el barrio, con la idea de una historia futurista y distópica que se desarrollara en el Bronx, donde los jóvenes pandilleros lucharan entre ellos por el territorio que consideran su hogar. 

Claramente inspirado por exitosas películas similares anteriores, como "The Warriors: Los amos de la noche" (1979) y "1997: Rescate en Nueva York" (1981), contrató al director Enzo G. Castellari para el proyecto, y ambos concibieron finalmente el film cuyo título definitivo sería "1990: Los guerreros del Bronx".

Junto a los guionistas Dardano Sacchetti y su esposa Elisa Livia Briganti, el director Enzo G. Castellari participó activamente en el guion del film, y de hecho fue idea suya cambiar algunas de las ideas iniciales del productor, introduciendo pandillas callejeras lo más extrañas y estrafalarias posible para dar un toque diferente a la película. Así, además de Los Riders, la banda de moteros protagonista de la película, en el film se pueden ver peculiares bandas callejeras como Los Zombies, Los Tigres o Los Buitres. 

Al tratarse de una producción italiana modesta, el reparto principal de la película está formado en su mayor parte por actores desconocidos, con varios de ellos debutando por primera vez en una película, entre los que destaca el actor protagonista, Marco De Gregorio (quien se cambió el nombre por Mark Gregory como nombre artístico). 

Entre las pocas caras conocidas y actores experimentados que formaron parte del elenco, se encuentran Vic Morrow (el personaje de Hammer en el film), Christopher Connelly como Hot Dog, y Fred Williamson, una estrella de la corriente blaxploitation en la década de 1970 y que interpreta el papel de El Ogro, el líder de la banda de Los Tigres. También podemos ver en el film un cameo del propio director Enzo G. Castellari, como vicepresidente de la Manhattan Corporation. 

Como protagonista principal para el papel de Trash, líder de la pandilla de Los Riders, el elegido fue Mark Gregory (Marco De Gregorio), un desconocido joven italiano que fue descubierto por los realizadores del film en un gimnasio de Roma que frecuentaban. Impresionados por el aspecto físico del joven (que en ese momento aún tenía 17 años), le ofrecieron debutar como actor, y tras realizar una audición entre más de 2.000 jóvenes, finalmente acabó consiguiendo el papel protagonista de la película.

El joven Mark Gregory cuadraba a la perfección con el aspecto físico que se buscaba para el personaje de Trash, con una combinación de salvaje motero y estrella del rock, sin embargo, las dotes interpretativas del joven eran más bien escasas dada su falta de experiencia y, por si fuera poco, caminaba de una forma un tanto peculiar, particularmente rígida. 

Su compañero Fred Williamson intentó enseñar al joven cómo mostrar una imagen más dura, tal y como era su personaje sobre el papel, pero parece ser que no surtió mucho efecto. Su estilo tan erguido al caminar fue además una fuente de constantes bromas por parte de algunos de los miembros de Los Ángeles del Infierno, quienes participaron como extras para el film.  

Para interpretar al personaje de Ann, la protagonista principal femenina, el director eligió a su hija, Stefania Girolami, quien tampoco tenía apenas experiencia como actriz. La joven participó además en la película como asistente de dirección. 

Lógicamente, la mayoría de las localizaciones de las películas son en el propio barrio del Bronx, aunque también se filmaron algunas escenas en otras zonas de Nueva York como Brooklyn o Roosevelt Island. La mayor parte de las escenas interiores sin embargo se rodaron en un estudio de Roma, ya que las leyes italianas relativas al cine de la época exigían que todas las producciones italianas debían filmarse al menos en un 50% del metraje en Italia. 

El rodaje de Los guerreros del Bronx fue bastante rápido y necesitaron de apenas tres semanas de rodaje en Nueva York. Al parecer fue una producción sin demasiados incidentes destacables, a excepción del accidente de moto del personaje de Ice (interpretado por Joshua Sinclair) que se puede ver en una de las escenas y que se trata de un accidente real que se incluyó en el metraje final. 

También hay otra curiosa escena en el film en la que se produjo una inclusión inesperada e improvisada. En la secuencia en la que se reúnen las bandas de los Rides y los Tigres cerca del Puente de Manhattan, se puede ver a un lado a un grupo tocando la batería. Se trata de una banda del barrio que simplemente estaba haciendo pruebas con la batería el mismo día del rodaje, y sin más explicaciones, el director decidió dejarlos a lo suyo e incluirlos también en el film. 

En todo caso, fue la tónica general de la filmación. Debido a su escaso presupuesto y medios, los productores no consiguieron la autorización para que se cerraran algunas calles del Bronx durante el rodaje, motivo por el que en algunas escenas se puede ver a la banda de moteros por las calles mientras de fondo se observa el tráfico circulando y gente haciendo vida normal que contrasta con la supuesta "Tierra de nadie sin ley" donde se ambienta la historia.  

El film fue además la última película del actor Vic Morrow, quien poco después moriría decapitado trágicamente por las aspas de un helicóptero durante el rodaje de "En los límites de la realidad" (1983). En una profética escena a mitad de la película, el jefe de Morrow le advierte: ¡Si no recuperas a la niña mañana a las 11 en punto, te cortaré la cabeza!. A lo que el personaje de Morrow responde: "La llevaremos en helicóptero". 

La película 1990: Los guerreros del Bronx se estrenó en cines en Italia el 29 de octubre de 1982, y aunque recibió muy malas críticas, su gran éxito en taquilla llevaría al film a dar el salto al mercado internacional con el título en inglés "1990: The Bronx Warriors". 

Solo en Italia, 1990: I guerrieri del Bronx por su título original en italiano, recaudaría tres veces su presupuesto, pero mucho más espectacular fue su éxito en Estados Unidos, donde llegó a ocupar el quinto lugar entre los estrenos más taquilleros del año. 

El inesperado éxito llevó a al director y a la productora Fulvia Film a lanzar casi inmediatamente dos películas más. Primero se estrenaría "Escape del Bronx" (1983) como una secuela directa que continúa la historia; y poco después el film "Los Nuevos Bárbaros" (1983), la cual se ambienta en un distópico y postapocalíptico futuro del año 2019 en la que solo repitió el actor Fred Williamson. El director Enzo G. Castellari solo necesitó de hecho seis meses para completar las tres películas. 

Tanto la propia 1990: Los guerreros del Bronx, como el resto de películas que forman esta curiosa trilogía de pandillas callejeras, no tardarían en convertirse en auténticas películas de culto para muchos aficionados, especialmente a partir de sus lanzamientos domésticos, primero en VHS y posteriormente en DVD y Blu-Ray (disponible en Amazon), donde también gozarían de un considerable éxito. 

A su buen desempeño en el mercado doméstico contribuyó sin duda un excelente póster promocional, el cual fue utilizado también como portada, y a la nota que Media Home Entertainment incluyó en la carátula para VHS, donde se indicaba que la película había creado una "gran controversia en Nueva York". 

Una campaña de marketing probablemente basada en el violento estreno en cines de la película The Warriors en la que se inspira, y que si bien en este caso no había ningún trasfondo real detrás, funcionó a la perfección.